Visa de Contrôle

Crítica: The Mourning Forest (2007)

2009-07-20T15:09:00.040+01:00

Mogari No Mori

Naomi Kawase, Japão, 2007

As consequências da morte de alguém próximo e a capacidade de cada pessoa as enfrentar são o pano de fundo desta estória sobre a relação que se desenvolve entre uma jovem enfermeira de um lar de idosos e um dos residentes.

A habitação situa-se no meio de uma floresta verdejante, sublimemente fotografada, onde o vento dá vida à paisagem e providencia a banda-sonora para a quase totalidade do filme.

Desde os momentos inicias da sua chegada à estalagem que acompanhamos a delicada e inexperiente Machiko nos contactos que, lentamente, estabelece com o grupo de pessoas que ali vive e observamos como esses laços emocionias a vão vinculando àquele local.

É com Shigeki, um viúvo que aparenta sinais de senilidade, que a jovem cria uma relação de maior intimidade, fruto da partilha de sentimentos que também ela vivencia na sequência da perda recente de um filho.

Levando à letra o conselho dado pela sua superiora, "não existem regras", e impotente para impedir que Shigeki persiga a sua obsessão pela há muito falecida esposa, Machiko deixa-se envolver na realidade em que aquele submergiu, experienciando uma aventura de libertação que poderá alterar a sua percepção do seu próprio luto.

A floresta do título serve de palco a todos os acontecimentos, e é em si mesma uma entidade autónoma que acolhe no seu seio a dor dos que com ela partilham.

Este e outros aspectos, presentes ao longo de todo o filme, reflectem uma carregada sensibilidade oriental que poderá não criar nos espectadores ocidentais uma valoração que lhes permita abraçar plenamente esta obra.

É, no entanto, inegável a irrepreensível beleza das imagens capturadas, que encerram um espírito contemplativo e de apaziguamento das almas conturbadas; elementos igualmente apreciados pelo Júri de Cannes, que lhe atribuiu o Grande Prémio do Festival.

A argumentista e realizadora japonesa Naomi Kawase, detentora de uma considerável carreira ainda que apenas pontualmente reconhecida, demonstra em diversas ocasiões a sua tendência para o registo documental e noutras um imaginário muito próximo do realismo mágico.

Características que a aproximam das obras do conterrâneo e contemporâneo Hirokazu Koreeda - paralelismo reforçado pela temática abordada, comum a ambos - ainda que, aqui, se faça sentir a ausência de uma maior intensidade dramática e de uma narrativa mais complexa e intricada.

6/10

Zapping: The Lady From Shanghai (1947)

2009-07-17T19:21:00.007+01:00

Michael O'Hara: When I start out to make a fool of myself there's very little can stop me. If i'd known where it would end I'd never let anything start. If I'd been in my right mind, that is. But once I'd seen her, I was not in my right mind for quite some time.

The Lady From Shanghai

Orson Welles, EUA, 1947

Crítica: La Terza Madre (2007)

2009-07-16T15:59:00.077+01:00

La Terza Madre

Dario Argento, Itália, 2007

Trinta anos após Suspiria, o mais aclamado filme do realizador italiano, surge o capítulo final de uma trilogia dedicada a um triunvirato de feiticeiras cujos poderes mágicos ameaçam os destinos da terra, baseado num texto do ensaísta Thomas de Quincey.

Originalmente escrito em 1984 pela actriz e então companheira de Argento, Daria Nicolodi, o projecto ficou esquecido até hà poucos anos, quando aquele decidiu encerrar o ciclo.

La Terza Madre sucede a Inferno, de 1980, e centra a sua acção na Roma da actualidade, onde se encontram enterrados os resto mortais da Mater Lachrimarum, a mais temida das "três mães".

Sarah, interpretada por Asia Argento, filha do realizador, é uma norte-americana estudante de arte que examina uma urna ancestral encontrada numa campa de um cemitério italiano próximo, inconsciente dos perigos que aquela encerra.

Aberta a caixa de Pandora, uma série de mórbidos acontecimentos começam a assombrar a capital italiana, à medida que os seguidores da Mãe das Lágrimas se reuném para lhe prestar vassalagem.

Procurando fazer jus à reputação atribuída à última das bruxas, aquele que foi o percusor do thriller falado em italiano apresenta-nos um violento e bastante explícito conto apocalíptico, que marca o seu regresso ao campo do terror sobrenatural.

Há muito que Argento abandonou o estilo visual cromático que lhe granjeou notoriedade, adoptando actualmente uma imagética gótica mais sóbria e sombria, pontuada com os tons quentes de flamejantes visões do inferno, cortesia do director de fotografia Frederic Fasano.

E se o virtuosismo técnico daquele ainda sobressai nas cenas mais extremas, a verdade é que estas não atingem a riqueza criativa das surpreendentes soluções encontradas nos seus filmes da década de setenta, sendo aqui preteridas em favor de uma abordagem mais directa.

Por outro lado, esta orientação realista permite uma leitura crítica das sociedades contemporâneas e dos verdadeiros males que as assolam, o que é de louvar.

Não obstante, o talento ainda demonstrado não compensa as inúmeras falhas verificadas ao longo do desenrolar do filme e não consegue contrariar a ideia de que o mestre do horror europeu deixou de ser relevante.

De um argumento rebuscado, confuso e pleno de gralhas, com personagens incredíveis e pobremente representadas, a uma orgiástica apoteose que não sobrevive às expectativas construídas, a sensação geral criada é não uma de temor, mas de estupefacção - o que se lamenta, pois de tão estimado autor se desejaria muito melhor.

4/10

Crítica: La Mujer Sin Cabeza (2008)

2009-07-15T11:09:00.073+01:00

La Mujer Sin Cabeza

Lucrecia Martel, Argentina, 2008

Verónica não perdeu a cabeça. Pelo menos, não literalmente.

No entanto, um aparentemente irrelevante acidente de viação em que se vê envolvida submerge-a num estado de perturbação e alienação tal que poderíamos realmente afirmar que acima daqueles ombros nada existe.

Após esse momento marcante, cujas imprevisíveis consequências poderão abalar as fundações do seu quotidiano seguro, Verónica toma a decisão de regressar.

No entanto, esquecer o que ficou para trás mostra-se uma tarefa mais complicada do que à primeira vista poderia imaginar.

Dias a fio movimenta-se, e é movimentada, de forma arrastada, passando pelos que a rodeiam como se de um fantasma se tratasse, sintomático do vazio emocional subjacente.

Fascinante é que o consiga fazer sem que família, amigos e criados se apercebam do seu estado de apatia, virtuosismo atribuível à magistral direcção da realizadora e argumentista Lucrecia Martel.

Da relação extra-conjugal com o melhor amigo do seu marido à caricata situação no consultório onde exerce medicina em que se julga paciente, Verónica realiza mecanica e silenciosamente as actividades daquilo que o espectador, e também a própria graças à sua condição, descobre ser a sua rotina.

Mas à medida que Verónica procura reunir forças para establecer novamente uma relação com o mundo exterior, o destino aproxima-a perigosamente daquilo que ela quis deixar para trás, ameaçando apanhá-la de vez e trazê-la à fria e crua realidade.

Acompanhamos o desenrolar do argumento com a curiosidade aguçada pela abordagem rítmica adoptada, que, igualmente, nos permite apreciar a beleza das imagens capturadas.

Assemelhando-se a um exaustivo retrato do drama psicológico vivido pela personagem principal, o filme dissimula uma silenciosa, mas mordaz, crítica da actual sociedade argentina, rigidamente estratificada em classes económicas e étnicas, susceptível aos interesses da burguesia estabelecida.

É latente o desconforto da mulher do título, sublimemente representada por Maria Onetto, quando obrigada a permanecer junto daqueles que habitualmente a servem, bem como a ameaça de enraízamento dos comportamentos subservientes por estes demonstrados.

Inquisitivo, pertubador e poético, adjectivos acessíves apenas às obras de verdadeiros autores.

9/10

Crítica: Turtles Can Fly (2004)

2006-07-13T20:53:00.002+01:00

Lakposhtha Hâm Parvaz Mikonand
Bahman Ghobadi, Iraque/Irão, 2004

Alguns dias apenas antecipam a segunda investida das tropas norte-americanas no golfo pérsico.

Numa altura de expectativa, a vida agita-se para os habitantes de uma pequena aldeia do território fronteiriço com a Turquia, denominado de Curdistão.

Os verdadeiros protagonistas desta película, no entanto, são um grupo de crianças orfãs aí refugiadas, forçadas a procurar por diversos meios a sua subsistência.

Entre estes emerge a figura de Satélite, assim chamado, por, munido de pouco mais que a sua iniciativa, conseguir dotar as aldeias locais de receptores de sinal de televisão; mas é junto dos outros infantes que a sua verdadeira importância se manifesta, como líder, guiando-os numa terra de cegos.

No outro pólo da acção está Henkov, um silencioso rapaz que suporta fisicamente os horrores da guerra, e as consequências psicológicas da mesma.

Este, assombrado pelas suas visões do futuro, e encurralado pelo seu destino, faz-se acompanhar da sua irmã, a soturna Agrin, que relutantemente carrega consigo outra criança.

Após tomar contacto com a rapariga, o expansivo Satélite tenta aproximar-se da jovem "família", mas poderá ser tarde demais para que a sua alegria de viver contagie estes mui torturados seres.

Nesta sua terceira longa-metragem, Bahman Ghobadi continua a retratar um país subjugado por um regime implacável, e a narrar estórias de sobrevivência num ambiente de violência extrema.

Por entre os destroços de uma paisagem apocalíptica assistimos a pequenos momentos mágicos emocionalmente avassaladores. Instantes, que nos levam a acreditar que, em pleno cenário infernal, pode ser recompensante continuar a viver.

Superando os títulos anteriores, Turtles Can Fly recebeu, unânimemente, louvores por parte da crítica internacional e anuncia-se como um dos líderes da vaga de filmes provenientes do médio-oriente neste início de século.

8/10

Outros: MPD Psycho

2006-06-28T20:58:00.000+01:00

MPD Psycho é uma manga escrita por Sho-u Tajima e ilustrada por Eiji Ohtsuka. O primeiro volume da série foi publicado em Fevereiro de 1997, o décimo e ultimo data de Outubro de 2004. Depois de sucesso da manga original, em 2000, o realizador japonês Takashi Miike, adaptou-a para esta mini-série de televisão de seis episódios. Agora disponível em DVD.

Não existe nenhum realizador contemporâneo que me consiga surpreender tão regularmente como Takashi Miike. Quando parece que tenho uma ideia concreta acerca da sua personalidade artística, logo surge um outro projecto que me surpreende e me obriga a reinterpretar toda a sua obra.
Nesta adaptação da popular manga japonesa, Miike pega no já rico universo da obra original e recorre a um vasto leque de técnicas de montagem, que ajudam a criar um ambiente que deambula entre um pesadelo surrealista lynchiano e as mais habituais sequências de acção alucinantes, imagem de marca do versátil realizador japonês.

No início da estória, Yousuke Kobayashi é um detective que sofre de Síndrome de Personalidade Múltipla. Depois de encontrar a sua mulher assassinada vai à procura do assassino em série responsável e mata-o. O choque do evento faz com que Yousuke perca a sua memória. Passados uns anos, Yousuke está novamente casado e afastou-se do trabalho de polícia. Mas uma nova série de crimes fá-lo desconfiar que o assassino da sua mulher pode estar de volta.

Um assassino que planta flores no cérebro das suas vítimas, olhos com códigos de barras, uma conspiração governamental e uma estrela pop, filha do flower power, virada terrorista. Alguns elementos deste rico universo de MPD Psycho. Altamente recomendado.

Crítica: L'Enfant (2004)

2006-06-23T00:19:00.001+01:00

L'Enfant
Jean-Pierre e Luc Dardenne, Bélgica, 2004

Com um bébé recém-nascido nos braços, Sónia procura o seu companheiro pelas ruas de uma pequena cidade industrial belga.

Entre os carros parados num semáforo, Bruno pede dinheiro aos condutores. Este jovem adulto, para quem qualquer forma de obter dinheiro não passa por um emprego convencional, está tudo menos preparado para enfrentar o novo desafio que a vida lhe propõe.

A verdade é que não parece muito preocupado com isso.

Não encontrando lugar para o nascituro na sua vida, o destino que decide lhe dar parece ser o mais lógico, no entanto perceberá não ser o mais fácil.

A amoralidade da sua conduta diária prepara o espectador para os acontecimentos que se seguem, que se tornam numa consequência directa dessa mesma visão esvaziada de valores que dita a sua sobrevivência.

Desta forma é difícil pura e simplesmente condenar as suas acções. Esta é talvez a maior vitória do filme.

A criança do título torna-se num veículo para a redenção de Bruno.

A audiência assiste ao crescimento forçado do jovem e percebe que as suas acções não são fruto da sua falta de sentimentos mas da sua inexperiência emocional.

Bruno é na realidade uma figura paternal para os seus pequenos órfãos companheiros do crime, e se o destino o permitir poderá ainda sê-lo para o seu próprio filho.

O quarto numa sequência de êxitos junto da círtica, L'Enfant é também a segunda obra dos irmãos Dardenne a ser galardoada com a Palma de Ouro de Cannes.

A visão da dupla, invocativa do realismo de clássicos do cinema europeu parece ter conquistado o público dos festivais.

Com uma técnica que assenta na imediatez das personagens e na fluidez do enredo, os realizadores pôem de parte os afloramentos musicais e visuais.

A câmara não se desvia por um instante da acção, permitindo assim um maior impacto da estória e um ritmo extremamente acessível.

Esta leveza com que aborda uma delicada temática é bem sucedida ao distinguir a película de outros dramas sociais.

7/10

Zapping: Manhattan Mystery Murder (1993)

2006-06-12T15:35:00.000+01:00

Carol Lipton: The deal was, I sit trough the ice hockey game and you watch the whole opera.
Larry Lipton: I can't listen to that much Wagner, you know? I start to get the urge to conquer Poland.

Manhattan Mystery Murder
Woody Allen, EUA, 1993

A bela do dia: Naomi

2006-06-09T14:09:00.000+01:00

A beldade australiana Naomi Watts nasceu de facto em Inglaterra em 1968. O seu pai era engenheiro de som dos Pink Floyd e morreu quando Naomi tinha sete anos de idade. Os anos seguintes foram de mudanças constantes. A sua mãe andou com Naomi e o seu irmão de casa em casa até que finalmente em 1982 assentaram definitivamente na Austrália.

Desde muito nova que Naomi sonhava em tornar-se actriz e já na Austrália conseguiu convencer a sua mãe a deixá-la ter aulas de representação. Depois de alguns trabalhos em campanhas publicitárias conseguiu aos dezoito anos o seu primeiro papel no romance histórico For Love Alone. Seguiram-se Flirting, no qual contracenou com a sua futura melhor amiga Nicole Kidman, e a adaptação da banda desenhada Tank Girl, que apesar de ter tido resultados muito pouco satisfatórios nas bilheteiras, conseguiu atingir o estatuto de filme de culto.

A sua grande oportunidade chegou em 2001 quando David Lynch a escolheu para representar o papel principal no seu novo filme. Em Mulholland Dr., Naomi é Betty, uma aspirante a actriz que se cruza com Rita, uma vítima de amnésia, e decide ajudá-la. Mas como em quase todos os filmes de Lynch, nada é aquilo que parece.

Depois da sua participação em Mulholland Dr. a carreira de Naomi descolou. Tem aliado sucessos de bilheteira como The Ring, 21 Grams e King Kong, com participações em produções de cariz mais independente como I Heart Huckabees e Ellie Parker.

Crítica: Free Zone (2005)

2006-05-31T22:10:00.000+01:00

Free Zone
Amos Gitai, Israel, 2005

O título do mais recente filme do realizador israelita Amos Gitai refere-se a uma zona de regulamento especial criada pelo governo da Jordânia onde é possível realizar comércio sem se pagar os habituais impostos.
Rebecca (Natalie Portman) é uma americana que termina a relação com o seu namorado, um soldado do exército israelita, depois de este lhe ter confessado algumas das atrocidades que cometeu durante a sua presença em território palestiniano. Sem saber o que fazer, Rebecca pede à sua taxista israelita Hanna Ben Moshe (Hana Laszlo) que a leve consigo seja para onde for. Hanna dirige-se à Free Zone para uma reunião de negócios. Quando lá chegam encontram Leila (Hiam Abbass) a esposa palestiniana do americano com que o marido de Hanna tinha feito negócio.

Free Zone não agradou a muita gente. A abordagem descomplexada e metafórica ao conflito no médio oriente acabou ao mesmo tempo por ostracizar o público habitual do realizador, que o considerou demasiado simplista, enquanto os restantes o continuam a considerar um filme demasiado idiossincrático de difícil assimilação.
Suportado por três grandes interpretações femininas (Hana Laszlo ganhou mesmo o prémio de melhor actriz no Festival de Cannes de 2005) o filme recorre a uma abordagem marcadamente emocional ao conflito israel-palestiniano. A perspectiva feminina deste interminável diferendo é refrescante e consegue sensibilizar. Ao longo da viagem destas três mulheres percebemos as pequenas grandes diferenças que tornam tão difícil a mediação do conflito nesta zona do globo. O filme põe a nu a desconfiança que germina de dia para dia entre estes dois povos, bem como a nefasta influência estrangeira que acaba por complicar ainda mais a já caótica situação.

No primeiro plano do filme que dura aproximadamente oito minutos, Rebecca chora. O que começa como um acto de pura tristeza evolui progressivamente para uma aceitação da sua realidade e para a constatação da inevitabilidade de prosseguir com a sua vida. Para quem persistir e apreciar as pequenas nuances que o filme tem para oferecer, Free Zone poderá ser uma experiência cinematográfica muito compensadora.

8/10

Zapping: Carrie (1976)

2006-05-31T22:09:00.000+01:00

Margaret White: Carrie, you haven't touched your apple cake.
Carrie White: It gives me pimples, Mama.
Margaret White: Pimples are the Lord's way of chastising you.

Carrie
Brian De Palma, EUA, 1976

Incest Kitchenette: Entrails of a Virgin (1986)

2006-05-31T22:02:00.000+01:00

Shojo no harawata
Kazuo 'Gaira' Komizu, Japão, 1986

Kazuo Komizu é uma das figuras centrais do movimento de filmes japoneses da década de 80 que combinavam em quantidades iguais sexo e terror. Muitas vezes assinava os seus filmes sobre o pseudónimo “Gaira”, em homenagem a um dos monstros menos bem sucedidos dos estúdios Toho, conhecido no ocidente como “Green Gargantua”, um gigante simpático que devora todos os humanos que se cruzam no seu caminho.

Em Entrails of a Virgin, um pequeno grupo de fotógrafos e modelos vêm-se retidos no meio de um bosque devido a um forte nevoeiro. Encontram uma casa abandonada e decidem lá passar a noite. Os fotógrafos decidem aproveitar-se da situação e coagir as jovens modelos a uma noite de sexo interminável. Mal eles sabem que no nevoeiro se esconde um demónio armado com um pénis gigante com uma enorme sede de sexo e morte.

Claramente inspirado nos desenhos animados eróticos japoneses hentai, este filme de um mau gosto inquestionável contem elementos suficientes para indignar até o mais acérrimo defensor do cinema exploitation. É misógino, tem um sentido de humor muito duvidoso e um nível de produção miserável. Eu adorei.

Crítica: O Milagre Segundo Salomé (2004)

2006-05-29T20:33:00.001+01:00

O Milagre Segundo Salomé
Mário Barroso, Portugal, 2004

Adaptando o romance de José Rodrigues Miguéis, O Milagre Segundo Salomé centra a sua acção em 1917, altura em que, no panorama social, a ainda florescente primeira República Portuguesa atravessa momentos de instabilidade; e segue a figura de Salomé, uma jovem vinda do interior, que trabalha como prostituta de luxo na casa de Dona Rosa.

Atraíndo as atenções de um próspero banqueiro, cedo a rapariga se transfere para mais requintados ambientes.

No entanto, não se sentindo verdadeiramente apaixonada e sentindo o apelo das suas origens decide regressar à sua terra natal, onde é protagonista de um irónico incidente que marcaria as épocas vindouras.

A estreia na realização do ilustre cinematógrafo Mário Barroso demonstra a sua excelência na técnica e a experiência obtida nos muitos anos de trabalho com várias figuras de renome.

O filme, que é excepcional no panorama cinematográfico nacional, assenta a sua sólida construção, tanto no virtuosismo visual de Barroso (aqui também a cargo da fotografia) e numa constante sensação de profissionalismo, visível na detalhada reprodução do ambiente de início de século; como também num argumento coerente constituído de narrativas paralelas bem estruturadas que lhe atribuem profundidade.

De entre os actores, o nome do experiente Nicolau Breyner sobressaí, graças a uma sóbria interpretação de um novo-rico iludido com o seu novo afecto, mas consciente da momentaniedade de tal situação.

A apoiá-lo encontra-se um conjunto de jovens que, apesar de não alcançarem a sua qualidade, conseguem sustentar as suas personagens eficazmente.

Ana Bandeira, a Salomé do título, é bem sucedida ao ilustrar o provincialismo dessa rapariga, instrumento de manipulação de multidões.

Outra saudável presença é a do maestro Bernardo Sassetti, que enriquece a película com as suas composições.

7/10

A bela do dia: Zoë

2006-05-23T18:44:00.000+01:00

Nascida em Nova York em 1962, Zoë Lund foi uma estudante sobredotada que desde cedo manifestou grande vocação para o activismo, participando em várias organizações de libertação estudantil. Apesar do seu grande talento musical, Zoë optou pelo cinema como meio de expressão principal, devido a considerá-lo mais eficaz para explorar os temas que considerava importantes.

Ao longo da sua curta vida dedicou-se ao consumo entusiástico de drogas e a sua veia activista veio a concentrar-se na causa da legalização das mesmas. A sua carreira começou a ser afectada e a sua dependência viria a afastá-la de vez do grande écran. Em 1999 morreu em Paris, devido a um colapso pulmonar e cardíaco relacionado com o uso prolongado de substâncias ilícitas.

Apesar de nunca ter tido a ambição de se tornar actriz, aos dezoito anos aceitou o papel principal em Ms. 45, o segundo filme do realizador americano de culto Abel Ferrara. A partir daí foi alternando os seus poucos trabalhos de representação com uma carreira de modelo. A sua carreira de actriz foi curta, para além de Ms. 45, vale a pena mencionar que voltou a trabalhar com Abel Ferrara em Bad Lieutenant, no qual também foi co-responsável pelo guião e foi dirigida por Larry Cohen em Special Effects de 1984.

Em Ms. 45, é Thana, uma costureira muda que é vítima de múltiplas violações. Num momento de raiva mata um dos seus atacantes e fica com a sua pistola de calibre 45. Decide então vingar-se de todos os homens que cruzam o seu caminho. Apesar de a personagem ser muda, Zoë consegue transmitir-lhe grande profundidade através do recurso a uma larga gama de expressões faciais, a sua beleza natural faz o resto e o espectador vê-se seduzido por esta perigosa assassina.

Zapping: Sans Soleil (1983)

2006-05-21T17:51:00.000+01:00

Narrator: When spring came, when every crow announced its arrival by raising his cry half a tone, I took the green train of the Yamanote line and got off at Tokyo station, near the central post office.
Even if the street was empty I waited at the red light “Japanese style” so as to leave space for the spirits of the broken cars.

Sans Soleil
Chris Marker, França, 1983

Crítica: Crimson Gold (2003)

2006-05-21T15:03:00.001+01:00

Talaye Sorgh
Jafar Panahi, Irão, 2003

Após terem colaborado em The White Balloon de 1995, o realizador Abbas Kiarostami voltou a escrever o argumento para outro filme do seu compatriota Jafar Panahi.

Desta feita, Ouro e Sangue narra a história de Hussein, um homem levado ao desepero pela sua situação numa sociedade de grandes contrastes sociais.

A primeira cena, um longo take em que a câmara estática deixa perceber um assalto a uma joalharia que acaba da pior maneira, é na verdade o final da história.

Na restante hora e meia são-nos mostradas as razões que levaram a tal incidente.

Ao longo de vários acontecimentos caricatos, Hussein é confrontado com a sua posição na sociedade de Teerão; seja quando é impedido de realizar o seu trabalho pela polícia, ou quando por breves momentos tem acesso a uma vida de luxo, longe das suas possibilidades.

Ao mesmo tempo várias críticas são feitas à actual situação interna do país.

Servem de veículo a estes comentários um jovem soldado obrigado a assumir o cargo do irmão mais velho após a morte deste, ou a irmã de Ali, um amigo de Hussein que espera vê-los casados, que expressa o nível de enraizamento da mentalidade opressora do regime islâmico vigente.

Tal como a sua personagem, Hossain Emadeddin na realidade trabalha a entregar pizzas.

Este actor amador, com problemas de esquizofrenia, proporciona, através apenas da sua apatia e impotência, momentos angustiantes que expressam as humilhações sofridas em cada sequência.

Apesar da falta de dinamismo na montagem, a acção consegue manter a fluência necessária para transmitir a odisseia deste homem simples.

7/10

Incest Kitchenette: Salò O Le 120 Giornate Di Sodoma (1975)

2006-05-20T10:56:00.001+01:00

Realizador, argumentista, dramaturgo e poeta, o italiano Pier Paolo Pasolini permanece uma das figuras mais controversas das artes do século passado. A polémica envolve não só a sua obra como também a sua vida, inclusivé o momento da sua morte, consequência do lançamento deste seu último manifesto.

Partindo do infâme livro de Marquês de Sade, Pasolini centra os acontecimentos na República de Saló, último bastião do regime fascista de Mussolini durante a segunda guerra mundial e local onde o seu irmão foi assassinado. Aqui quatro figuras de autoridade, entre elas um bispo e um magistrado, raptam um grupo de menores, submetendo-os aos seus caprichos durante cento e vinte dias de poder absoluto.

Ao longo de quatro capítulos assistimos à maior degradação do ser humano alguma vez filmada, tanto das vítimas, que sofrem os mais incríveis abusos, como dos agressores, que se entregam aos deleites do seu domínio. As imagens são de uma intensidade extrema, mas as metáforas que encerram são-no ainda mais.

Apesar de contar com o maestro Ennio Morricone nos créditos, a outros níveis técnicos a película desaponta. No entanto, a sua importância reside na sua atitude de choque visual e ideológico. Um documento de visionamento obrigatório, em que o desconforto será constante.

Invasão Asiática

2006-05-17T21:25:00.000+01:00

Muitas e boas propostas do continente asiático:

The Host vai ser mostrado em Cannes. É o terceito filme de Joon-ho Bong (Barking Dogs Never Bite, Memories of Murder). Uma família tem que escapar de um terrível monstro aquático enquanto tentam resolver os seus problemas de relacionamento. Muito Bom!
O filme conta com a colaboração dos actores fetiche do realizador: Du-na Bae e Kang-ho Song. Trailer aqui. Posters aqui e aqui.

Quem não vai concorrer em Cannes é Kim Ki-Duk (The Isle, 3-Iron), um dos mais singulares realizadores do cinema actual. Ao contrário do que tem vindo a acontecer nos últimos anos os responsáveis pela organização do maior festival de cinema do mundo decidiram não convidar o realizador Coreano. Em Time, uma mulher vive num medo constante que o seu namorado a abandone, decide abandoná-lo e submeter-se a cirurgia plástica. Volta com uma aparência completamente diferente e começa uma nova relação com o seu ex-namorado. Trailer aqui.

Summer Palace de Lou Ye (Suzhou River) foi aceite em Cannes mas está em perigo de não participar, o departamento do governo chinês responsável pela aprovação de filmes reclama que o filme nunca foi submetido para receber o certificado.
Na China de 1989, dois jovens amantes vivem uma complexa e erótica relação de amor/ódio durante uma época de grande instabilidade politica no país. Imagens: 01 02 03 04.

O novo filme de Chan-wook Park (JSA, Oldboy) I'm a Cyborg, But That´s Ok já está em filmagens. A primeira incursão do realizador coreano na comédia romântica conta a história de uma mulher internada numa instituição psiquiátrica que acredita ser um cyborg e do homem que se apaixona por ela. Primeiras imagens 01 02. Poster aqui.

Andrew Lau (Infernal Affairs) também se deixou contagiar pelo bichinho do amor. O seu novo filme Daisy, é um romance rodado em Amesterdão com a actriz coreana Ji-hyun Jun (Il Mare, My Sassy Girl). O filme acompanha um detective e um assassino que se apaixonam pela mesma mulher. Trailer aqui.

O extremamente prolífico actor japonês Tadanobu Asano (Gojoe, Last Life in the Universe) está de volta com The Buried Forest, um drama fantástico situado nas montanhas do Japão. Trailer aqui.

Finalmente, o realizador Ahn Byung-ki (Phone) também está de volta com um novo filme de terror. APT conta a história de um morador de um velho apartamento em Seoul que sofre de excesso de curiosidade e acaba por se ver envolvido numa série de homicídios. Teaser aqui.

Zapping: Videodrome (1983)

2006-05-17T21:21:00.000+01:00

Nicki Brand: Got any porno?
Max Renn: You serious?
Nicki Brand: Yeah. It gets me in the mood.
Nicki Brand: What's this? "Videodrome"?
Max Renn: Torture. Murder.
Nicki Brand: Sounds great.
Max Renn: Ain't exactly sex.
Nicki Brand: Says who?

Videodrome
David Cronenberg, EUA, 1983

Outros: A Saga Antoine Doinel

2006-05-14T20:28:00.000+01:00

Dando início à sua carreira de longas-metragens em 1959 com Les 400 Coups, o crítico François Truffaut originou assim também a mais famosa saga do cinema francês. Ao longo de cinco filmes assistimos ao desenrolar da vida de
Antoine Doinel, desde o início encarnado por Jean-Pierre Léaud.

A história começa com Antoine ainda menor e acompanha-o em momentos decisivos da sua infância instável que culminam na sua fuga de um reformatório.
Altamente biográfica, a película é uma figura central na emergência do cinema de autor e uma pedra basilar da nova vaga de realizadores franceses.
Em 1962 o realizador ensaiou uma primeira sequela com Antoine et Collete, uma curta que incide na paixão que um já jovem adulto Doniel nutre pela outra personagem do título, apesar de ter uma relação mais próxima com os pais desta.

Seis anos mais tarde surgiria Baisers Volés, onde Antoine, dispensado do exército, experiencia uma série de episódios cómicos nos seus sucessivos empregos, ao mesmo tempo que procura ganhar o afecto de Christine (Claude Jade).
Em Domicile Conjugal de 1970 assistimos ao quotidiano do par já casado, numa comédia romântica que traz novo fôlego à sequência. A completar o conjunto, L'Amour En Fuite de 1979, confronta o agora pai Doinel com as suas anteriores paixôes.

Em todos os filmes a personalidade dinâmica e turbulenta de Antoine sobressaí perante as adversidades que desde criança é forçado a enfrentar. No final, permanece a sua figura inocente e sonhadora.

Crítica: Batalla En El Cielo (2005)

2006-05-07T20:31:00.000+01:00

Batalla En El Cielo
Carlos Reygadas, México, 2005

O segundo filme do realizador mexicano Carlos Reygadas (Japón) é um ataque feroz ao actual estado social e económico do seu país.
Marcos é um motorista que trabalha para um General do exército, apesar disso, vive com dificuldades e tenta de várias formas arranjar rendimentos complementares. Na sequência de um rapto que corre mal, ele e a sua mulher, vêm-se responsáveis pela morte de uma criança.
Ana trabalha como prostituta. É a filha do General. Marcos conhece-a desde pequena e desenvolveu por ela uma forte atracção sexual. Quando Marcos revela a Ana o seu hediondo crime, esta aconselha-o a assumir responsabilidades pelo seu crime e a entregar-se às autoridades.

À semelhança do que fazia Bresson, Reygadas optou por utilizar actores amadores e estreantes em cinema. Enquanto Anapola Mushkadiz consegue um bom desempenho no papel de Ana, Marcos Hernández, como Marcos, demonstra dificuldades em convencer com a mais simples linha de diálogo. Mesmo assim a sua inépcia acaba por resultar como mais um elemento de caracterização da sua personagem, que se pretende simples e pouco expressiva.

Batalla En El Cielo é corrosivo, retrata um México em que as franjas mais altas da sociedade se encontram corrompidas e decadentes. Onde os mais pobres, privados de educação, se assemelham a animais que agem por instinto. A sua única crença é a fé católica que lhes garante a absolvição dos seus pecados, sejam eles quais forem, desde que o seu arrependimento seja verdadeiro. A visão do paraíso de Marcos é surpreendente e arrasadora para o catolicismo.
O recurso a imagens de sexo explícito é justificado. É uma forma de realçar o grotesco de toda a situação e de obter do espectador uma reacção menos racional e mais visceral. Nem sempre uma experiência agradável, Batalla En El Cielo tem muito para dizer e insiste em dizê-lo sem concessões e de uma forma que muitos irão achar difícil de engolir.
Termino com um excerto de uma entrevista que Carlos Reygadas concedeu ao jornal britânico Guardian:

“Eu penso que a maior parte do que chamamos de cinema não é cinema. É na verdade teatro filmado, ou ainda pior, literatura ilustrada. O objecto do filme é a história, e as personagens são simplesmente pessoas técnicas que representam algo. A maior parte do cinema é banda desenhada. Na minha opinião, isso não é cinema verdadeiro. O cinema verdadeiro está muito mais próximo da música. A música não representa nada, é só algo que transmite sentimento.”

Eu não podia estar mais de acordo.

7/10

Zapping: Invasion of the Body Snatchers (1956)

2006-05-07T13:57:00.000+01:00

Wilma Lentz: "There's no emotion. None. Just the pretense of it. The words, the gesture, the tone of voice, everything else is the same, but not the feeling."

Invasion of the Body Snatchers
Don Siegel, EUA, 1956

Crítica: À Ma Soeur (2001)

2006-05-03T23:26:00.001+01:00

À Ma Soeur
Catherine Breillat, França, 2001

Dois anos depois do bastante polémico Romance, a francesa Catherine Breillat realizou esta obra que conta a história de uma pré-adolescente cujo quotidiano, que deveria ser no mínimo banal, consegue ser uma experiência tormentosa.

Anaïs é uma jovem rapariga com excesso de peso que se encontra de férias com a família numa instância balnear.

Obrigada a acompanhar a sua irmã Elena, mais velha e bem mais magra, nos encontros desta com homens mais velhos, Anaïs passa por algumas situações algo deconfortáveis.

No entanto, esta é também a única pessoa com quem consegue comunicar, pois da parte dos próprios pais ambas recebem apenas desinteresse e hostilidade.

Devido à sua solidão, a pequena Anais recorre a pequenos jogos para criar um mundo seu de fantasia, como no belíssimo momento em que numa piscina se passeia pelos seus pretendentes.

Aqui, como em outros episódios, a jovem actriz, de seu nome também Anaïs, consegue habilmente retratar uma personagem com quem simpatizamos sem sentirmos pena.

Na verdade, todas as personagens femininas possuem uma maior complexidade, passando por variados acontecimentos que lhes permite mostrar os diferentes lados das suas personalidades.

Após uma série de incidentes que obrigam ao regresso antecipado a casa, o filme chega a um final abrupto e completamente inesperado.

Ao bom estilo do cinema europeu, tecnicamente o filme revela uma imagem espelho da realidade, com planos frontais muitas vezes estáticos e alongados, nomeadamente na cena mais explícita de toda a película em que Francesco, um italiano sem escrúpulos, passa a noite clandestino no quarto das irmâs.

Mas ao contrário de outros títulos, o filme consegue evitar o aborrecimento do espectador e justificar a inclusão das cenas mais provocadoras.

Recebendo o inexecrável título internacional de Fat Girl, À Ma Soeur é um poderoso estudo sobre a dificuldade de inclusão e interacção de alguns, revelador dos espinhos que se escondem numa idade de inocência; assim como uma película que mais uma vez tenta colocar mais à frente as barreiras do aceitável.

7/10

Incest Kitchenette: I.K.U. (2000)

2006-04-29T23:38:00.000+01:00

I.K.U.
Shu Lea Cheang, Japão, 2000

Num futuro não muito distante a Genom Corporation destaca vários replicants femininos para Tóquio com a missão de recolherem dados dos seus encontros sexuais, para depois descarregarem esta informação para chips I.K.U. que serão distribuídos pela população através de máquinas de venda automática.

I.K.U. é o segundo filme da realizadora das Ilhas Formosa Shu Lea Cheang. O conceito parece prometedor mas o resultado é decepcionante, não há nenhuma tentativa de explorar a originalidade do conceito e a estrutura episódica de todo o filme não segue uma linha coerente, tornando-se difícil para o espectador a interpretação das imagens que vão surgindo à sua frente. O uso da língua inglesa também é uma escolha incompreensível dada a inépcia dos actores nipónicos em proferirem de forma aceitável as poucas linhas de diálogo que têm que entregar.

O que resta é um filme sci-fi/porn com um orçamento acima da média, que tem por maiores e únicos trunfos a sua qualidade técnica e a originalidade do seu conceito. Muito pouco para seduzir uma grande audiência, mas talvez o suficiente para despertar a curiosidade de alguns.

O ataque da mosca tsé-tsé.

2006-04-29T23:15:00.000+01:00

O blog tem estado inactivo durante as ultimas semanas, temos muita pena e vamos tentar fazer com que esta situação não se volte a repetir.
Entretanto há notícias relacionadas com o cinema de terror.

One Missed Call é o próximo filme japonês a ter direito a um remake made in Hollywood. Jovens estudantes recebem mensagens de voz no seu telemóvel datadas do futuro, onde ouvem o momento da sua própria morte.
O responsável pelo projecto será o realizador francês Eric Valette, responsável pelo surpreendentemente abstracto filme de terror Maléfique.

O remake de Friday the 13th está em risco, problemas com os direitos fizeram com que o projecto tenha sido adiado por tempo indefinido.

The Hills Have Eyes 2 também poderia ser um remake mas não é. Wes Craven já está ocupado a escrever o guião que segundo o próprio não terá nada a ver com a mal amada sequela de 1985. Alexandre Aja, o realizador do primeiro filme desta nova série é que já recusou o convite para ser novamente o realizador, o francês quer dedicar-se em exclusivo ao seu próximo filme The Waiting.

A bela do dia: Béatrice

2006-04-28T19:37:00.000+01:00

A francesa Béatrice Dalle atingiu a fama na sua terra natal ao estrear-se em 1986 no filme Betty Blue. A sua escolha, algo casual visto ter sido descoberta para modelo fotográfico, para representar a personagem principal, uma mulher sem rumo, mentalmente instável mas de uma paixão arrebatadora que invade a vida do pacato Zorg, parece ter sido certeira.
Ainda mais que a sua vida, e consequente carreira, tem sido marcada por variados incidentes, que de certa forma a têm impedido de alcançar sucesso a nível internacional. De realçar um episódio com as autoridades norte-americanas, que a levou a perder a oportunidade de aparecer ao lado de Bruce Willis em O Sexto Sentido.
No entanto, isto não levou a que deixasse de trabalhar com algumas figuras de renome do universo independente, nomeadamente os realizadores norte-americanos Jim Jarmush, no segmento parisiense de Night on Earth onde interpreta uma invisual mal-encarada, e Abel Ferrara; assim como partilhar a tela por duas vezes com a icónica Isabelle Hupert. Recentemente, tem-se mostrado fiel à realizadora francesa Claire Denis, tendo já protagonizado três das suas películas, entre elas a muito debatida Trouble Every Day de 2001.
Exibindo um aspecto vampiresco, Béatrice seduz pela sua figura de mulher perigosa.

Clássicos: The Last Laugh (1924)

2006-04-28T10:58:00.000+01:00

Letzte Mann
F. W. Murnau, Alemanha, 1924

Juntamente com nomes como Eisenstein e Griffith, F. W. Murnau é uma das figuras mais importantes da era do cinema mudo. Esta segunda grande obra do realizador alemão é um marco do início do século passado, surgindo dois anos após o talvez mais famoso Nosferatu.
O filme foi dirigido ainda durante a sua fase alemã, que culminaria dois anos depois com Faust e que lhe valeria o reconhecimento do outro lado do atlântico de cuja colaboração resultaria o seminal Sunrise.
Ladeado por dois contos do sobrenatural, O Último Homem narra um momento decisivo na vida de um homem comum. Um respeitado porteiro de hotel que vê o seu mundo fugir-lhe à frente dos olhos de um momento para o outro.
Emil Jannings, que em 1931 protagonizaria com Marlene Dietritch o também alemão The Blue Angel, é esse homem. O seu desempenho é imaculado, tanto quando retrata a nobreza com que a personagem executa o seu emprego, como quando caído na desgraça todo o seu corpo e idade lhe pesam. Também a forma como a sua figura é vista pela sua comunidade sofre um tremendo abalo.
Os movimentos exagerados e as expressões exacerbadas são típicos da corrente expressionista que dominava a Europa e servem de perfeito substituto ao uso das palavras, que aliás não surgem nem como os habituais separadores que contavam o desenvolvimento da história.
Não sendo a mais complexa das narrativas, esta é completada por elementos visuais de extremo arrojo e originalidade. A cãmara de Karl Freund desliza como nenhuma anteriormente, por exemplo, ao atravessar a porta giratória da entrada do hotel ou mesmo ao espreitar o interior de um trompete que toca no rescaldo da celebração do casamento da filha da personagem principal. Outro momento vanguardista surge com a representação de um sonho do embriagado patriarca, onde figuras disformes assombram cenários desenquadrados, e a lei da gravidade é desafiada.
A banda sonora que acompanha o filme é também outro ponto alto. Uma peça de música clássica que nunca explodindo em demasia, consegue acompanhar sempre com grande intensidade os altos e baixos por que passa aquela figura simpatética.
O filme culmina numa imagem avassaladora de Jannings prostrado numa casa de banho do hotel, iluminado por uma luz divina. No entanto, e como nos é anunciado, algo a contragosto do autor, é adicionado um epílogo que contraria o ambiente criado anteriormente.
Ainda assim, este pormenor não consegue invalidar a obra incontornável que é The Last Laugh, uma película ao mesmo tempo acessível e inovadora, que persiste tanto tempo após a sua criação.

Zapping: Virgin Spring (1960)

2006-04-04T18:32:00.000+01:00

Töre: You see it, God, you see it. The innocent child's death and my revenge. You allowed it. I don't understand you. Yet now I beg your forgiveness. I know no other way to be reconciled with my own hands. I know no other way to live.

Jungfrukällan
Ingmar Bergman, Suécia, 1960

Mais propostas do continente Asiático.

2006-04-04T18:21:00.000+01:00

Zhang Yimou vai dirigir Gong Li e Chow Yun-Fat no seu novo projecto The City of Golden Armor. Com um orçamento previsto de $44 milhões será a maior produção chinesa de todos os tempos. O enredo anda em volta da luta por poder entre um Imperador, uma Imperatriz e um General.

Tetsuya Nakashima, o realizador do estranho e delirante Kamikaze Girls está de volta com Memories of Matsuko. Pelas imagens disponíveis o filme parece ser um pouco mais contido que o seu antecessor, o que na minha opinião, poderá vir a ser um aspecto positivo. Trailers aqui.

Outro projecto asiático que está a despertar atenção é Black Night, uma colaboração entre Japão, Hong Kong e Tailândia, o projecto irá reunir três curtas-metragens dentro do género fantástico. A contribuição tailandesa Lost Memory promete. Trailer aqui.

Ryu Seung-Wan que conseguiu um grande êxito com o seu filme de 2005 Crying Fist, vai regressar com City of Violence. O thriller de acção conta a história de um detective que regressa à sua terra para o funeral de um amigo, acaba por descobrir que este foi traído por um grupo de criminosos e planeia e executa a sua vingança. Teaser aqui. Site bonito em flash para quem percebe coreano ou é simplesmente curioso aqui.

A bela do dia: Maggie

2006-03-29T20:26:00.000+01:00

Maggie Cheung nasceu em Hong Kong. Aos oito anos mudou-se com a sua família para Inglaterra. Lá passou a sua adolescência e quando acabou o ensino secundário regressou a Hong Kong. Começou por fazer trabalhos de modelo e a aparecer em campanhas publicitárias. Seguiu-se uma participação no concurso Miss Hong Kong, onde acabou na posição de primeira dama de honor.

Pouco depois aventurou-se no cinema, o seu primeiro papel de destaque foi como May, a namorada de Jackie Chang em vários capítulos do bem sucedido franchise Police Story. Aos longos dos anos tem acumulado projectos com realizadores tão importantes como Yimou Zhang, Wong Kar Wai e o seu ex-marido Olivier Assayas.

Em In The Mood For Love de Wong Kar Wai, Maggie é Su Li, uma mulher casada que descobre que o seu marido tem um caso com a mulher do seu vizinho. Ela e o vizinho apaixonam-se, mas nunca conseguem concretizar o seu amor.
O filme é uma obra-prima que reinventou o melodrama para o novo milénio, Maggie aos 36 anos de idade, está mais radiante que nunca e consegue um desempenho poderoso num filme que está destinado a entrar na galeria dos melhores da história do cinema.

Zapping: Clerks. (1994)

2006-03-29T20:24:00.000+01:00

Silent Bob: You know, there's a million fine looking women in the world, dude. But they don't all bring you lasagna at work. Most of 'em just cheat on you.

Clerks.
Kevin Smith, EUA, 1994

Crítica: Control Room (2004)

2006-03-29T20:20:00.000+01:00

Control Room
Jehane Noujaim, EUA, 2004

Quantas vezes já se ouviu falar do canal de televisão Al Jazeera? Este pequeno canal por satélite sedeado no Qatar é considerado a CNN do mundo árabe. O canal começou a emitir em 1996, mas só em 2001 é que a estação ganhou fama internacional, quando se decidiu a transmitir os vídeos de Osama Bin Laden, nos quais assumia a responsabilidade pelos atentados terrorista de 11 se Setembro de 2001 nos Estados Unidos da América. Na sequência destes atentados os EUA decidiram invadir o Iraque alegando relações do regime de Saddam Hussein com a Al-Qaeda. Em Control Room seguimos a cobertura da guerra no Iraque pela Al Jazeera.

Sendo este documentário de origem americana é de exaltar a imparcialidade do mesmo, o realizador não se deixa cair no facilitismo da propaganda e oferece-nos uma visão sóbria da cobertura jornalística da guerra do Iraque.
A cobertura da Al Jazeera é parcial, disso não restam dúvidas, nem os trabalhadores da estação o tentam esconder, mas será mais parcial que a cobertura das várias cadeias de televisão americanas? Canais como a CNN e a FOX que fizeram uma cobertura altamente condicionada pelas políticas de comunicação do seu exército e que se auto-denominam bastiões da liberdade de imprensa?

Acima de tudo, Control Room revela-nos a importância da guerra ideológica nesta sociedade de comunicação. Será de estranhar que uma figura de elevada importância na administração americana como Donald Rumsfeld ataque frontalmente uma cadeia de televisão árabe? Será um acidente o ataque que vitimou um repórter de imagem da Al Jazeera? Control Room oferece poucas respostas, mas é sem dúvida um documento importante, que nos ajuda a compreender a complexidade da guerra actual, que vai muito além do tradicional campo de batalha.

7.5/10

A bela do dia: Jane

2006-03-25T15:02:00.000Z

Sendo filha do lendário actor norte-americano Henry Fonda, foi mais que natural a integracção de Jane Fonda desde muito cedo na sétima arte. Começando com um conjunto de pequenas produções, apenas em 1968 ganharia reconhecimento com o papel principal da ficção científica psicadélica de Barbarella, hoje elevado ao estatuto de filme de culto.

O ponto alto da sua carreira chegaria três anos mais tarde, com Klute de Alan J. Pakula, que lhe valeria o Óscar de melhor actriz.
Aquele que é o primeiro numa "paranoia trilogy", completada por The Parallax View e All the President's Men, segue Bree Daniels, uma prostituta de luxo que se vê perseguida sem perceber o real motivo. Klute, mais do que na trama policial, foca-se na individualidade da personagem de Jane, uma mulher que quer mudar o seu estilo de vida, mas tem grandes dificuldades em criar laços afectivos. Um manifesto político ao mesmo tempo anti-institucional e feminista, o filme é o veículo perfeito para o desempenho perfurante de Jane Fonda, que na altura manifestara-se publicamente contra a intervenção norte-americana no Vietname, o que lhe valeria bastantes críticas e boicotes.

O final dos anos setenta marcariam a última fase relevante da sua carreira, antes de iniciar os seus célebres videos de fitness, culminando em mais uma vitória de um galardão da Academia por Coming Home.

Incest Kitchenette: Naked Blood (1995)

2006-03-23T11:54:00.000Z

Naked Blood: Megyaku
Hisayasu Sato, Japão, 1995

Quando um jornalista perguntou ao realizador japonês Hisayasu Sato o que este pretendia alcançar com os seus filmes, a resposta foi polémica: “Eu quero fazer um filme que tenha a capacidade de levar a audiência à loucura, de os fazer cometer homicídio.”

Uma das figuras mais destacadas do cinema extremo japonês, Hisayasu Sato baseia o seu trabalho na exploração das várias subculturas marginais da sociedade japonesa. Dentro do já polémico género pinku, este realizador tem-se destacado pela visceralidade das suas ofertas, onde títulos como Vibrator Torture e Rape: For Real deixam pouco à imaginação.

Em Naked Blood, uma revisão do seu anterior filme Lustmord, o realizador explora uma abordagem mais mental, onde os elementos sexuais dos seus filmes anteriores se misturam com terror e cenas de gore que são capazes de perturbar até o mais preparado dos apreciadores do género.

Um jovem cientista, filho de uma médica decide usar três das pacientes da sua mãe como cobaias para a sua nova invenção, um novo analgésico. A invenção tem um efeito secundário peculiar, quando as doentes se magoam fisicamente sentem enorme prazer sexual.

Crítica: Together (2000)

2006-03-22T11:32:00.000Z

Tillsamans
Lukas Moodysson, Suécia, 2000

O título reporta-se ao nome de uma comunidade de esquerda sueca dos anos setenta, em que oito adultos e duas crianças dividem a mesma casa e utilizam a mesma colorida carrinha. O colectivo é bastante sui generis, não só devido ás diferenças de personalidades mas também de ideias, mesmo dentro de uma ideologia liberal comum.
No entanto, a chegada da irmã de Göran, um dos membros, e dos dois filhos desta, provoca um abalo que porá em causa a razão de ser daquele grupo.
Este é o ponto de partida para uma série de situações, umas trágicas outras cómicas, mas sempre perturbantes, que nenhum dos envolvidos parece ter vivido antes.
No início, o filme mostra-nos o quotidiano na associação, através dos hábitos e querelas típicos da habitação em conjunto, neste caso com as regras específicas de uma cultura comunista, mas com o desenrolar da narrativa notamos que a preocupação é maior com as pessoas e os seus sentimentos do que com as suas ideias políticas ou sociais. Estas surgem apenas como enquadramento para uma sucessão de revelações interiores e mudanças individuais.
A narrativa não se centra numa personagem apenas, e tenta desenvolver com mais ou menos sucesso as diferentes histórias interligadas. Como é natural, algumas são negligenciadas.
Mas mais importante que o seu aprofundamento, parece ser perceber a forma como as diferentes pessoas "evoluem", fruto da convivência forçada. Destaque para os mais novos, e a forma como absorvem tudo o que se passa à sua volta. Outra personagem, um solitário homem de meia-idade, é recuperada de Talk, uma curta-metragem anterior do realizador sueco.
Nesta sua segunda longa metragem, Moodysson consegue captar bem o ambiente claustrofóbico inerente à vida em comunidade por meio de ângulos apertados e de uma panorâmica nada típica do cinema europeu; assim como o espírito da época, através do tom amarelado da película, e das roupas e banda-sonora a condizer. O resultado é totalmente kitsch, mas em nada desprovido de conteúdo.
Apesar de tomar partido apenas pela felicidade de cada um, o filme hostiliza ironicamente uma ideia romântica de vida à margem da sociedade.

7/10

Zapping: The Graduate (1967)

2006-03-20T17:39:00.000Z

Mr. Braddock: Ben, what are you doing?
Benjamin: Well, I would say that I'm just drifting. Here in the pool.
Mr. Braddock: Why?
Benjamin: Well, it's very comfortable just to drift here.
Mr. Braddock: Have you thought about graduate school?
Benjamin: No.
Mr. Braddock: Would you mind telling me then what those four years of college were for? What was the point of all that hard work?
Benjamin: You got me.

The Graduate
Mike Nichols, EUA, 1967

Mais remakes de filmes de terror.

2006-03-20T17:38:00.000Z

Chegaram as primeiras fotos oficiais para o remake de Black Christmas, o filme original foi realizado por Bob Clark, também responsável pelo mega clássico da comédia chunga Porky’s.
Durante as férias de Natal numa residência universitária, um estranho começa a fazer telefonemas ameaçadores e a assassinar as suas residentes femininas. Imagens aqui.

Infection, outro filme de terror japonês, que por sinal até é bastante fraquinho, também vai ter direito a um remake americano.
Um vírus altamente perigoso contaminou um hospital onde a falta de condições e incompetência dos seus funcionários também são problemas graves.

O poster oficial para Pulse, remake do assustador filme de Kiyoshi Kurosawa já foi divulgado. O trailer já não é novidade nenhuma, mas podem vê-lo aqui.

Outros: Bertolucci & Bacon

2006-03-18T21:11:00.000Z

O italiano Bernardo Bertolucci, um dos mais importantes nomes da história do cinema, realizou em 1972 aquele que é o seu título mais famoso, e um dos mais geniais filmes de sempre. O Último Tango em Paris segue os encontros em Paris de Jeanne e Paul, um americano de férias após o suicído da mulher, interpretado de forma brilhante por Marlon Brando.

Desde os momentos iniciais, o realizador deixa bem claro a sua inspiração nas obras do pintor irlandês Francis Bacon para a elaboração deste filme, ao ilustrar o genérico com duas telas deste com representações de duas figuras, uma masculina e outra feminina.

Mas esta influência é visível em toda a película, tanto na caracterização das persongens (a figura de Paul é notavelmente imaginada segundo os auto-retratos do pintor), como na construção dos ambientes, procurando igualar as cores e a iluminação das criações de Bacon, através da cinematografia de Vittorio Storaro.

A pintura do irlandês assenta numa desfiguração do real, criando um novo conceito de beleza através da fealdade retratada. Da mesma forma, Bertolucci, através de uma relação puramente baseada na atracção sexual que arrasa com as convenções morais e sociais, cria algumas das mais fascinantes imagens da sétima arte.

Crítica: Last Life in the Universe (2003)

2006-03-16T18:51:00.000Z

Last Life in the Universe
Pen-ek Ratanaruang, Tailândia, 2003

De um dos países do continente asiático com menor expressão a nível cinematográfico, chega-nos uma história centrada em duas pessoas cujos caminhos se cruzam por breves momentos, após ambos terem vivido trágicos acontecimentos pessoais.
Kenji é um bibliotecário japonês na Tailândia. A sua vida vazia e sem sentido leva-o a ser dominado por mórbidas tendências suicídas. Uma noite, enquanto vagueia pela noite, fugido do seu apartamento, assiste a um impressionante acidente, envolvendo duas jovens irmâs, Noi e Nid (as actrizes, e também na realidade irmâs, Sinitta e Laila Boonyasak), que os ligará.
A mais jovem estrela do cinema nipónico, Tadanobu Asano é o escriturário introspectivo e silencioso, cujo dia-a-dia pacato sofre uma reviravolta inesperada. A sua interpretação é mais uma vez prova da sua versatilidade e imensa capacidade representativa. Muito nos é dito sem palavras, como quando o vemos em meticulosas arrumaçôes ou em incomodativos contactos com outras pessoas.
Totalmente oposta, é a figura de Noi, a jovem tailandesa, cuja maneira de ser descontraída e calorosa, assim como perigosos conhecimentos, servem de contraponto ideal para as inibições de Kenji.
Para aliar à diferença de personalidades, a barreira da língua também permite alguns momentos desconfortáveis. O que nos leva ao ùnico ponto fraco do filme. Imersa nas mentes das personagens, a narrativa estagna, criando situações algo aborrecidas.
As referências ao cinema japonês não são inocentes, Last Life in the Universe vai buscar inspiração aos dramas interiores individuais nipónicos (e por remissão, também aos coreanos) filmados num estilo contemplativo, onde ao espectador nem tudo é explicado, sendo este obrigado a associar gestos e reacções para obter emoções e respostas nem sempre concretas ou definitivas, como é exemplificativo o enigmático encerramento. Perto do final ainda, faz uma aparição, enquanto um cómico yakuza, o realizador Takashi Miike.
O cinematógrafo australiano Cristopher Doyle mostra que não guardou todos os seus segredos para os filmes de Wong-Kar Wai, e mais uma vez produz um trabalho de cores e luzes admirável, ao dar a cada ambiente um tom próprio que se transmite ao espectador. Perfeito na forma como acentua o antagonismo latente entre as personagens principais. O apartamento azul de Kenji arrepia-nos pela sua impessoalidade, assim como o casarão de Noi nos acolhe com os seus tons terra. Visualmente toda a película é dominada pelo bom-gosto e estilo dos locais e das imagens.
No seu quarto trabalho atrás das câmaras, o tailandês Pen-ek Rataranuang mostra uma maturidade fora do comum. Esta qualidade verifica-se, tanto na construcção da história e na atenção aos pormenores, como no domínio da técnica e na intenção de experimentar. É de sangue novo que se fala, e são estas promessas que nos deixam espectantes.

8/10

Crítica: Hostel (2005)

2006-03-16T14:50:00.000Z

Hostel
Heli Roth, EUA, 2005

Cabin Fever o primeiro filme de Eli Roth não impressionou, a história estava longe de ser original e as personagens eram demasiado simples com atitudes pouco credíveis e um comportamento absurdo tendo em conta as circunstâncias em que se encontravam. Um primeiro filme medíocre.
Três anos depois surge Hostel, só o facto de o Quentin Tarantino ter colocado o seu nome em letras grandes no poster do filme deixou muita gente curiosa, seguiram-se os rumores das intensas cenas de gore que iram salvar o género da censura dos demoníacos grandes estúdios americanos, basicamente este filme deveria trazer de volta os filmes de terror a sério a uma audiência mais generalizada. De facto foi um grande sucesso de bilheteira nos Estados Unidos e a mesma equipa já está a trabalhar na sequela.

Mais um daqueles filmes “supostamente baseados em factos reais”, em Hostel dois amigos americanos e um islandês chegam a Amesterdão depois de percorrerem várias cidades europeias com as suas mochilas às costas, depois de usarem e abusarem das ofertas turísticas da cidade conhecem um traficante de droga que lhes revela um segredo, as mulheres Eslovacas são as mais belas do mundo e têm todas um enorme apetite sexual, com o libido aos saltos lá vão os três completamente ignorantes em relação ao terror que os espera.

Em 2004 tive a “sorte” de ver um trailer para um filme que se chamava Eurotrip, decidi-me a não ver o filme, mal eu sabia que um ano mais tarde iria engoli-lo só que desta vez disfarçado de Hostel. O filme apresenta-nos uma imagem da Europa completamente distorcida cheia de excêntricos com sotaques ridículos que comem com as mãos. Em vez de apostar no ambiente sombrio das cidades europeias, Roth prefere apresentar-nos uma versão caricaturada, algo entre a Euro Disney e o Moulin Rouge.
As personagens são dois americanos completamente insuportáveis com um complexo de superioridade crónica e um islandês, que como era de esperar, está lá para exercer a função de escape cómico e carne para canhão. Era suposto eu sentir pena destas personagens? Pessoas sem o mínimo respeito por outros (particularmente das mulheres)? É difícil criar empatia com personagens assim.
Enquanto via o filme, dei por mim a pensar se este não seria o panfleto perfeito para recrutar jovens árabes para a Al-Qaeda.
Juntando a isto as várias falhas no argumento, um uso do gore que se resume praticamente ao que foi aparecendo no material de promoção e temos um dos piores filmes de terror que vi nos últimos tempos.
O facto deste filme passar suavemente pela imprensa, enquanto um filme como Wolf Creek é completamente destruído por esses mesmos críticos diz muito do estado do cinema actual.
Já agora o Quentin Tarantino devia ganhar juízo, um realizador que nos deu alguns dos filmes mais emblemáticos dos anos 90, devia afastar-se de projectos destes, não usar o seu nome para os inflacionar.

3/10

Zapping: Ghost Dog: The Way of the Samurai (1999)

2006-03-15T18:24:00.000Z

Pearline: Can't you understand what he's saying?
Ghost Dog: No, I don't understand him. I don't speak French, only English. I never understand a word he says.
Pearline: And that's your best friend?
Ghost Dog: Yeah.

Ghost Dog: The Way of the Samurai
Jim Jarmusch, EUA, 1999

Almodóvar e Gondry de volta.

2006-03-15T18:21:00.000Z

Volver o novo filme de Pedro Almodóvar já estreou em Espanha, o realizador volta a trabalhar com uma das suas musas, Penélope Cruz. O filme gira em volta de Raimunda uma mulher que foge do seu passado de vitima de abusos sexuais. Trailer aqui.

Ainda por estrear está o novo filme do francês Michel Gondry (Eternal Sunshine of the Spotless Mind) The Science of Sleep, no qual também é responsável pelo argumento. Uma romance fantasioso entre Stephane e Stephanie, Gael García Bernal e Charlotte Gainsbourg respectivamente. Clip aqui.

A bela do dia: Nicole

2006-03-14T20:18:00.000Z

Filha de um conceituado médico australiano, Nicole Kidman nasceu no Hawai mas foi na Austrália que foi criada, estudou dança e teatro desde tenra idade e com apenas 14 anos estreou-se no grande ecran com Bush Christmas de 1983. Em 1989 a actriz conseguiu o seu primeiro grande papel, em Dead Calm um thriller australiano que lhe abriu as portas de Hollywood.

No ano seguinte estreou-se no cinema Americano com Days of Thunder, mas só a partir de 1995 com To Die For de Gus Van Sant é que Nicole começou a explanar os seus dotes de grande actriz, ao longo dos anos tem intercalado trabalho em filmes mais comerciais com filmes que já ganharam o seu lugar na história do cinema como Moulin Rouge, The Others e The Hours. Num dos seus próximos projectos The Lady from Shanghai será dirigida pelo realizador de culto Wong Kar Wai.

Em Dogville de Lars Von Trier é Grace, uma jovem idealista filha de um gangster, que foge do controlo do seu pai e encontra abrigo numa pequena cidade. Ao início Grace é bem aceite mas pouco a pouco a sua posição débil começa a ser usada contra si pelos seus anfitriões. Em Dogville, Nicole alia à sua beleza clássica uma interpretação fortíssima que a confirmam como uma das grandes actrizes da sua geração.

Crítica: Dead Man's Shoes (2004)

2006-03-14T00:13:00.000Z

Dead Man's Shoes
Shane Meadows, Reino Unido, 2004

Após um longo período passado como militar, um homem regressa à sua aldeia natal, no interior briânico, para se vingar daqueles que abusaram do seu irmão deficiente mental.
Os seus alvos são um grupo de pequenos gangsters que se dedicam à venda e consumo de droga. Enquanto que na sua maioria estes são algo patéticos e por vezes até cómicos na sua estupidez, é no proclamado líder do bando que reside a personalidade mais agressiva, arrastando todas as outras mentes fracas para as suas contendas violentas.
Da inutilidade das suas vidas, resta-lhes implicar com Anthony, indefeso após a partida do irmão Richard.
O filme é dominado pela melancolia que consome a personagem principal, apoiando-se para tal, de forma algo excessiva e nem sempre eficaz, no tom introspectivo facultado pelas canções acústicas que ilustram as paisagens rurais por onde esta vagueia, sempre na companhia do seu semelhante.
Elemento primordial a esta intenção é sem dúvida a interiorização com que Paddy Considine interpreta o irmão vingador, dotando o seu rosto de expressões de raiva, dor e frustação. É sinistra a forma como leva avante a sua missão silenciosa e determinada.
Visualmente a película é dominada pelos verdes das colinas e os céus límpidos do campo. O realizador Shane Meadows recorre a efeitos que não são verdadeiramente inovadores nem conseguem disfarçar algumas limitações a nível de diálogos ou enredo, mas servem para incutir alguma frescura na narrativa, nomeadamente o preto e branco dos flashbacks ou o efeito de câmara na mão nas cenas de interiores, em que os actores interagem algo improvisadamente.
Perto do final, o argumento dá um passo em falso ao optar por uma reviravolta algo previsível e nada original.
Dead Man's Shoes deambula entre géneros, não se rotulando definitivamente, um pouco ao estilo do também britânico 28 Days Later. Centrado no drama de Richard, por vezes ameaça tornar-se num slasher, apesar de aproveitar apenas algumas das suas características.

6/10

Crítica: Rois et Reine (2004)

2006-03-12T21:30:00.000Z

Rois et Reine
Arnaud Desplechin, França, 2004

Aquele que foi provavelmente o mais aclamado filme francês do ano, traz-nos a história de duas pessoas em momentos de mudança na sua vida.
Nora é directora de uma galeria de arte, e encaminha-se para o seu terceiro casamento. Apesar de não sentir amor pelo seu par, este oferece-lhe conforto e dedicação sem exigir nada em troca, aceitando ainda como seu o filho que esta trás de uma relação anterior. A notícia de que o seu pai se encontra em estado terminal obriga Nora a um regresso a casa que lhe trará revelações e lembranças algo desagradáveis.
Ismael é um talentoso, mas desinteressado, violinista. Internado numa clínica psiquiatrica pela sua família, não necessita de muito para se exaltar e disparar em todas as direcções. A saída para uma vida sem objectivos parece passar pelo afecto que ainda possui por Nora, e consequentemente pelo filho desta, Elias.
Liga-os um namoro anterior, e a necessidade de encontrarem um rumo para a felicidade.
Emmanuelle Devos consegue mostrar os vários lados da sua personagem, uma mulher com especial tendência para se fazer de vítima, através de uma fragilidade na voz que, na verdade, esconde uma vontade enorme de ser bem sucedida mesmo que isso implique apagar umas quantas recordações incómodas.
Mathieu Almaric faz da sua personagem um ser explosivo e expressivo, mas ao mesmo tempo desesperado e à deriva, sem verdadeiros elos de ligação. Além de inocente na sua rebeldia e cruel na sua distanciação, Ismael consegue também ser cómico na sua descoberta pessoal.
As duas personalidades são dotadas de uma grande complexidade, para a qual contribuem as personagens secundárias, fazendo-se bom uso das duas horas e meia de duração da película para as desenvolver convenientemente.
Ambos os actores principais já haviam colaborado anteriromente com o realizador Arnaud Desplechin. Este, por seu lado, consegue um mais que satisfatório equilíbrio entre as duas faces do drama, a comédia e a tragédia. O filme adapta-se às variações de ambientes e disposições, usando diferentes ritmos de narrativa, um mais dinâmico, rico em cortes dentro das cenas; e outro com planos mais alongados, que visam nos absorver nos sentimentos espelhados. O domínio de cada cena por uma tonalidade específica, e as referências a temas como a mitologia, são instrumentos através dos quais o realizador evita que o espectador se sature de tão longo enredo.

7/10

Tenham medo, tenham muito medo!

2006-03-12T18:51:00.000Z

Depois do sucesso de Hostel nas bilheteiras, Eli Roth é sem dúvida um dos realizadores da moda em Hollywood um facto só por si muito assustador. Hostel 2 já está em pré-produção e a adaptação de Cell, o novo romance de Stephen King também será realizada por Eli Roth. Oh não!

Wes Cravem gostou muito do remake do These Hills Have Eyes realizado pelo francês Alexandre Aja (Haute Tension) e produzido pelo próprio Wes Craven. Assim está ainda mais determinado a produzir o remake de The Last House On The Left, o argumento já anda a ser rescrito, mais novidades para breve.

Finalmente, mais um remake, desta vez o premiado foi Anthony Waller e o seu Mute Witness. O filme original tinha valores de produção bastante baixos mas compensava pelo enredo simples e pelo uso de humor na quantidade certa. O maior destaque vai mesmo para Marina Zudina, perfeita no papel principal.
O remake parece-me condenado à partida já que este filme não vive do argumento, mas sim da eficaz realização e desempenho dos seus actores. Cá o esperamos.

Zapping: Black Sunday (1960)

2006-03-12T18:49:00.000Z

Princess Asa Vajda: You will never escape my vengeance, or of Satan's! My revenge will seek you out, and in the blood of your sons, and of their sons, and their sons, I will continue to live immortal! They will restore to me the life that you now rob from me!

Black Sunday
Mario Bava, Itália, 1960

Incest Kitchenette: In The Realm Of The Senses (1976)

2006-03-12T18:42:00.000Z

Ai no corrida
Nagisa Oshima, Japão, 1976

Uma das figuras de destaque da nova vaga do cinema japonês em meados da década de 60, Nagisa Oshima reagiu com as suas obras ao estilo mais humanista e às temáticas abordadas por realizadores mais conceituados da época como Akira Kurosawa e Yasujiro Ozu. Nos seus filmes Nagisa Oshima abordava as tensões e contradições da sociedade japonesa do pós-guerra, o crescente materialismo e a cada vez maior influência ocidental.

Ai no corrida baseia-se num acontecimento verídico. Situado na sociedade feudal japonesa anterior à 2º grande guerra, o filme mostra-nos a tórrida relação entre um homem e uma das suas empregadas. Os dois envolvem-se nos mais variados jogos sexuais e à medida que o seu amor evolui também a obsessão e o ciúme começam a descontrolar-se.

Banido em inúmero países devido ao recurso a imagens de sexo explicito, o filme tem ao longo dos anos adquirido o estatuto de clássico de culto, sendo sem dúvida a obra de Nagisa Oshima que maior expressão alcançou no ocidente.

Novidades Cinema Asiático

2006-03-11T17:15:00.000Z

O realizador coreano Il-gon Song que em 2004 presenteou o público cinéfilo com os muito apreciados Spider Forest e Feathers in the Wind, está de volta com Magicians.
No terceiro aniversário do seu suicídio Ja-eun a ex-guitarrista de uma banda volta para observar as comemorações que os seus três amigos organizaram em sua honra.
Magicians foi filmado num único take à semelhança de filmes como Rope de Hitchcock e Russian Ark de Aleksandr Sokurov. Trailer aqui.

O novo projecto de Shinya Tsukamoto (Tetsuo, Snake Of June, Vital) já foi anunciado. Nightmare Detective irá contar com a nova sensação do cinema nipónico Ryuhei Matsuda (Gohatto, Nine Souls) no papel principal de Kagenuma Kyoichi, um herói negro com tendências suicidas que relutantemente recorre aos seus poderes especiais para entrar nos sonhos das pessoas e assim resolver perturbantes mistérios.

Finalmente, a saga de terror japonês One Missed Call vai chegar ao seu fim. One Missed Call: Final vai ser realizado por Asou Manabu o responsável pela adaptação televisiva, e foi anunciado como o último deste franchise.
A principal novidade em relação aos dois filmes anteriores é que desta vez o receber da mensagem de voz do mundo dos espíritos não sela o destino das personagens, já que bem ao estilo de Ringu, podem reenviar a mensagem e assim escaparem da maldição.
O remake americano do filme original realizado pelo prolífico Takashi Miike já está a caminho.

A bela do dia: Catherine

2006-03-10T22:03:00.000Z

Um modelo de beleza clássica, Catherine Deneuve é provavelmente das mais populares e, simultaneamente, mais talentosas actrizes a abençoar com a sua presença a história do cinema. Dotada de longos cabelos louros e um corpo curvilíneo, Catherine conta com mais de 45 anos de actividade constante e sempre ao mais alto nível, contribuindo para isso uma escolha acertada e bastante diversificada das participações e dos colaboradores, entre eles realizadores como François Truffaut, Tony Scott, Manoel de Oliveira, Lars von Trier ou Rauol Ruiz, que nunca a afastaram verdadeiramente das principais montras mundiais e impediram o seu declínio ou esquecimento. É, no entanto, na década de 1960 que atinge o estrelato e também os seus maiores feitos profissionais, com as suas aparições em Les Parapluies de Cherbourg de Jacques Demy, Repulsion de Roman Polanski e Belle de Jour de Luis Buñuel. Este último é, pessoalmente, um dos mais marcantes. Catherine interpreta a jovem esposa de um médico promissor, que se vê dividida entre a paixão declarada deste e os seus emergentes desejos sexuais. Lentamente Geneviève é absorvida pela vida dupla em que mergulha diariamente.
Aqui, como nos restantes, a sua actuação é sublime e é difícil não ser contagiado pelo charme emanado.
Venerada pelos cinéfilos, celebrada pelos críticos, Deneuve é sem dúvida uma figura incontornável.

Crítica: Good Night and Good Luck (2005)

2006-03-10T18:15:00.000Z

Good Night and Good Luck
George Clooney, EUA, 2005

O título refere-se à expressão utilizada, noite após noite, pelo pivot da CBS, Edward R. Murrow, ao despedir-se dos espectadores no final de cada emissão de um dos seus programas.
Durante anos, Murrow foi apresentador de “Person to Person”, dedicado a entrevistas de figuras célebres da altura, assim como do mais virado para a investigação jornalística “See it Now”, deixando a sua marca não apenas pelo uso da sua frase típica, mas também pela qualidade e rigor das transmissões. O filme assinala bem a diferença entre os dois programas, sendo notória a necessidade do primeiro para a sobrevivência do último.
É através deste que Murrow aborda a problemática, então emergente, da caça às bruxas levada a cabo pelo senador Joseph McCarthy. Na sua fase mais crítica, os inquéritos eram dirigidos a todo aquele que fugisse ao ideal patriota, sendo os mesmos consequentemente acusados de "comunismo" (!) e conspiração contra o Estado. Este momento marcante da história recente dos Estados Unidos é aqui capturado brilhantemente, com óbvio foco neste meio de comunicação social.
Paralelamente é aflorado o quotidiano dos restantes membros da redacção, assim como a relação entre os jornalistas e o chefe da cadeia televisiva norte-americana.
David Strathairn é impressionante ao encarnar a personagem principal, um defensor das liberdades e garantias do cidadão comum. O nervosismo contido e a motivação interior do jornalista vêem ao de cima através da movimentação corporal do actor. A complexa figura é construída com simples olhares, posicionamentos de mãos ou principalmente na forma como o discurso é debitado, directo e conciso.
Por seu lado, George Clooney, que também figura ao lado de Strathairn, mostra-se bastante seguro neste seu segundo esforço atrás das câmaras. Tal como em Confessions of a Dangerous Mind, Good Night and Good Luck ilustra a promiscuidade entre os meios dos media e do poder político, neste caso como uma arma contra os abusos do segundo. A realização é bastante positiva tanto na escolha dos ângulos como na dinâmica imprimida às cenas, apesar da limitação espacial.
De realçar ainda o excelente preto e branco, obra do cinematógrafo Robert Elswit, e os interlúdios musicais.
O final,no entanto, leva-nos a questionar como será o episódio da próxima semana.

8/10

Zapping: Brazil (1985)

2006-03-07T19:46:00.000Z

Sam Lowry: My name's Lowry. Sam Lowry. I've been told to report to Mr. Warrenn.
Porter - Information Retrieval: Thirtieth floor, sir. You're expected.
Sam Lowry: Um... don't you want to search me?
Porter - Information Retrieval: No sir.
Sam Lowry: Do you want to see my ID?
Porter - Information Retrieval: No need, sir.
Sam Lowry: But I could be anybody.
Porter - Information Retrieval: No you couldn't sir. This is Information Retrieval.

Brazil
Terry Gilliam, Inglaterra, 1985

Novidades Cinema Europeu

2006-03-07T19:43:00.000Z

Lars Von Trier vai voltar aos filmes Dogma com My Man The President, com estreia prevista para 2007.
Um jovem gestor de uma empresa, contrata um actor para se fazer passar por chefe e o ajudar a impor as suas decisões pouco populares.

Com estreia prevista já em 13 de Outubro 2006 está Sunshine (título provisório), o novo filme do inglês Danny Boyle.
Daqui a 50 anos, um grupo de cientistas é enviado para o sol com o objectivo de regenerar uma das suas partes que está a morrer. Quando estão no espaço perdem o contacto com o planeta Terra e recebem uma mensagem de socorro duma missão anterior que se tinha perdido anos antes. Fotos aqui e aqui.

O próximo projecto de François Ozon, será o seu primeiro filme exclusivamente em língua inglesa. O filme será intitulado de Paradise.
A história situada no início do século XX, irá seguir a vida de uma jovem escritora inglesa de sucesso que segue um estilo de vida extravagante e excêntrico.

Finalmente Zach Braff, cujo Garden State dividiu drasticamente as opiniões deste blog, também gosta muito de cinema europeu e vai realizar o remake do filme Dogma dinamarquês Open Hearts.
O trama gira em volta de dois casais cujas vidas se cruzam depois de um trágico acidente de viação. Tal como em Garden State, Zach Braff também irá representar uma das personagens.

Crítica: Crash (2005)

2006-03-06T23:47:00.000Z

Crash
Paul Haggis, EUA, 2005

O argumentista de Million Dollar Baby (e também de Walker, Texas Ranger!), Paul Haggis acumula as funções de realizador pela primeira vez neste drama vencedor do Óscar de melhor filme do ano.
A película interliga um conjunto de pequenas histórias que, de diferentes maneiras, abordam as temáticas do racismo e da desigualdade social.
A diversidade existente nos Estados Unidos permite um mínimo de credibilidade aos variados acontecimentos estruturados pelo argumento, também vencedor de uma estatueta. No entanto, a certa altura o filme perde-se na complicada teia que ele próprio tece, envolvendo-se em intrigas de menor relevância ou qualidade.
A estrutura do filme não é inovadora, mas resulta na maior parte das sequências, devido à boa montagem utilizada. A referência obrigatória e talvez a mais óbvia desta obra é Magnólia; também em pormenores como a música do título ou a voz-off podemos encontrar essa semelhança.
Apesar da estrutura episódica não permitir que nenhuma das personagens assuma preponderância sobre as outras, cada cena, especialmente na fase inicial, mostra-nos um conjunto distinto de ideias que prendem o espectador.
Curiosamente são as personagens cujo discurso é mais radical que melhor resultam, com destaque para as representadas por Matt Dillon, Sandra Bullock e o estreante Ludacris, benefíciando dos diálogos certeiros e da atitude politicamente pouco correcta com que tratam as questões.
Sem tomar partidos, o filme aproxima-se do ideal Do The Right Thing de Spike Lee, mas sem nunca atingir a sua qualidade ou originalidade.
Após um arranque a todo o gás numa sequência de cenas que culmina no roubo de um SUV, Crash abranda o ritmo mostrando uma série de vinhetas em que as personagens cada vez mais se prendem, e perdem, nos seus estériotipos, nomeadamente nas figuras de um trabalhador latino e de um comerciante árabe.
Os pontos fortes de Crash não sobrevivem à sua duração total e nos derradeiros momentos o filme descamba para o melodrama banal. A realização de Paul Haggis nunca consegue ser mais que competente.

6/10

Crítica: Wolf Creek (2005)

2006-03-06T20:03:00.000Z

Wolf Creek
Greg McLean, Austrália, 2005

A primeira longa-metragem de Greg McLean, é inspirada pela história verídica de Ivan Milat, um psicopata responsável pela morte de vários turistas no deserto australiano. Contudo, o realizador recorre a uma abordagem claramente ficcional. Duas turistas inglesas e o seu amigo australiano viajam pelo deserto, uma noite o seu carro sofre uma avaria e da escuridão surge um aparentemente prestável habitante local que se oferece para os ajudar.

O filme adopta durante a sua primeira hora uma estrutura muito semelhante à de um road movie, onde só episódios pontuais vão deixando indícios de que algo de mau está prestes a acontecer.
A grande força e inovação de Wolf Creek está na profundidade das suas personagens, o realizador não se apressa e demora o tempo necessário para criar o ambiente ideal, ficamos a conhecer as personagens, as suas circunstâncias e a sua humanidade.
Ao contrário de que é normal em filmes do género, as vitimas são bem mais do que uma simples caricatura, agem e sentem como todos nós, o que facilita a sua identificação com o espectador. Talvez por isso, tenha tanto impacto o sofrimento porque essas pessoas acabam por passar.

As representações estão bem acima da média em produções do género, o principal destaque vai para John Jarratt, com o seu desempenho de Mick Taylor, um Crocodilo Dundee psicopata, que atinge momentos de maldade extrema. O terror é visceral, mas apesar da grande polémica que rodeia este filme, muito pouco explicito em termos de sangue e gore.
Com estes argumentos todos a favor, é difícil aceitar as falhas graves no enredo que aparecem pontualmente ao longo da história, e que esvaziam o balão emocional que a aprofundada introdução tinha conseguido criar e que faz com que gradualmente percamos interesse no destino das personagens.

Wolf Creek é uma ambiciosa reinvenção do Slasher Film, apenas minada pelos vários clichés em que se deixa cair, que o impedem de ter a homogeneidade suficiente para se tornar uma referência do género.

7/10

Zapping: Les Carabiniers (1963)

2006-03-05T17:08:00.000Z

Michelangelo: l got a question.
The Rifleman: Go ahead.
Michelangelo: ln the war, can we take slot machines?
The Rifleman: Yes.
Michelangelo: No charges if we take old men's eyeglasses?
Michelangelo: Can we break a kid's arm?
Michelangelo: Both arms?
Michelangelo: Stab a guy in the back?
Michelangelo: Rob apartments?
Michelangelo: Burn towns?
Michelangelo: Burn women?
The Rifleman: Yes.
Michelangelo: And steal classy pants?
The Rifleman: Yes.
Michelangelo: lf we want, we can massacre innocent folks?
The Rifleman: Yes.
Michelangelo: Denounce folks, too?
The Rifleman: Yes.
Michelangelo: Eat in restaurants and not pay?
The Rifleman: Yes, yes. That's war.

Les Carabiniers
Jean-Luc Godard, França, 1963

Incest Kitchenette: I Spit In Your Grave (1978)

2006-03-05T16:48:00.000Z

I Spit On You Grave
Meir Zarchi, EUA, 1978

Os filmes exploitation sempre foram polémicos, quer pelas temáticas abordadas, quer pela insistência em retratarem a perversidade humana levada ao extremo.
Em 1978, este filme de Meir Zarchi dividiu ao meio a opinião pública e o forte movimento feminista da época. Uns consideraram-no altamente misógino e degradante para as mulheres, outros o derradeiro manifesto feminista.

Sem dúvida um dos filmes mais polémicos de todos os tempos, em I Spit On Your Grave uma jovem escritora é brutalmente violada e deixada por morta. Quando recupera exerce uma sangrenta vingança sobre os seus violadores.
O filme recorre frequentemente a imagens explícitas o que polarizou e continua a dividir audiências. Uns acusam-no de ser um filme doentio sem razão de existir, outros defendem-no pela sua atitude frontal sem concessões.
É acima de tudo, uma oferta interessante para os apreciadores do mais extremo que o cinema tem para oferecer.

Crítica: Memories of Murder (2003)

2006-03-05T15:44:00.000Z

Sarineui Chueok
Joon-ho Bong, Coreia do Sul, 2003

Nos finais da década de 80, a Coreia do Sul ainda vivia sob a sombra de uma ditadura militar, e essa influência fazia-se sentir particularmente nos meios rurais, onde a polícia atropelava a seu belo prazer os direitos dos cidadãos e qualquer manifestação estudantil era reprimida violentamente.
É já nos derradeiros momentos desta época, em que o descontentamento das populações se começa a notar e uma nova era ameaça brotar, que se desenrola a narrativa.
Uma série de violações e homicídios assombram a pacata vila de Hwaseong. Os detectives encarregues Park e Cho, na ânsia de descobrir o responsável, recorrem às mais variadas técnicas para incriminar os suspeitos, desrespeitando totalmente qualquer regras de investigação. Atraído pelo mistério e notoriadade que começam a envolver o caso, surge vindo da capital Suh, um jovem detective, competente e disposto a encontrar o culpado.
Baseado em acontecimentos verídicos, a estreia na realização de Bong Joon-Ho, reveste-se de drama policial para mostrar uma realidade que atormentou o país até recentemente. É no entanto o tom de comédia negra que domina a película e a eleva entre muitos títulos do género.
Nunca caindo no ridículo, Memories of Murder exagera e satiriza os comportamentos das entidades no poder, principalmente através do retrato de Park e Cho. Song Kang-Ho, um rosto familiar do novo cinema coreano, nomeadamente de The Quiet Family, Joint Security Area e Sympathy for Mr. Vengeance, revela-se simplesmente brilhante; ao mesmo tempo, inocente na sua ignorância e intolerável na sua brutalidade, mas sempre com expressões que só por si levam o espectador ao riso; eficazmente auxiliado pelos outros dois actores que encarnam os restantes agentes policiais, um puramente força física e o outro inteligência e perspicácia mas também força de vontade inabalável.
Nas partes dramáticas, o filme nunca resvala para o melodrama sem gosto, mas também não consegue atingir a acutilãncia das partes cómicas. É, na verdade, muito certeiro na forma como reveste as suas personagens de uma complexidade extra ao mostrar-nos momentos das suas vidas privadas, afectadas pelos referidos acontecimentos.
Em fase de crescimento acelerado, a indústria cinematográfica coreana ameaça tornar-se um dos principais focos de interesse do continente asiático.

7/10

Zapping: Big Trouble in Little China (1986)

2006-03-04T18:29:00.000Z

Jack Burton: When some wild-eyed, eight-foot-tall maniac grabs your neck, taps the back of your favorite head up against the bathrroom wall, looks you crooked in the eye and asks you if ya paid your dues, you just stare that big sucker right back in the eye, and you remember what ol' Jack Burton always says at a time like that: "Have ya paid your dues, Jack?" "Yessir, the check is in the mail."

Big Trouble in Little China
John Carpenter, EUA, 1986

Clássicos: Rebel Without a Cause (1955)

2006-03-04T18:08:00.000Z

Rebel Without a Cause
Nicholas Ray, EUA, 1955

A familia tradicional, seio da aparente normalidade da sociedade americana dos anos 50, deu origem a vários exemplos de descontentamento por parte da nova geração.
Entre eles está Jim Stark, um adolescente em constante conflito consigo mesmo e com aqueles que o rodeiam, iconizado por James Dean (numa altura em que Brando e Presley se afirmavam como porta-vozes desta renovação cultural).
A familia de Jim, cuja solução para os problemas do filho é mudar de casa, é a causa da sua revolta apontada em todas as direcções. Uma mãe e avó dominantes sobre um pai fraco e submisso representam o ambiente hostil de que Jim procura se livrar. Na mesma esquadra onde Jim é detido por vadiar bêbedo, estão outros dois jovens, Judy e Plato, também eles exemplos de instabilidade emocional devido ao ambiente em que foram criados. As sugestôes de que Judy mantém com o pai uma relação demasiado íntima, e que Plato tem uma atracção pela personagem principal são hoje notórias, no entanto estes aspectos não podiam ser amplamente explorados na altura em que foi realizado, daí a riqueza de alguns diálogos, pois permitem retirar algo mais significante do que aquilo que é realmente dito.
Este trio de jovens virá, perto do final a constituir uma espécie de nova familia, afectada pelos ambientes em que cresceram, mas desesperada por encontrar um momento de felicidade, mesmo que o seu lar seja uma mansão abandonada em ruínas.
É na personagem de Dean que se centraliza a história. Este, baseando-se numa representação teatral, consegue mostrar a complexidade da personagem, o seu desespero ao sentir-se preso a um mundo em que não se enquadra e perdido por não encontrar um refúgio desse mesmo mundo; mas também a determinação de encontrar a felicidade e a coragem ao lutar contra todas as adversidades.
O argumentista e realizador Nicholas Ray faz uso das cores berrantes, principalmente nas roupas de Dean, para mostrar a fúria de viver sugerida pela tradução nacional, e de irreverentes ângulos de câmara como aquele em que Jim, deitado da cabeça para baixo no sofá vê a mãe descer as escadas.
Apesar de algumas situações hoje em dia parecerem algo deslocadas, como um James Dean de 24 anos a sair de casa para a escola com o lanche na mão, ou a trágica apoteose final, Rebel without a cause conserva a sua força através da rebeldia que a própria pelicula constituia.
Morrendo um mês antes da estreia, Dean entrava assim para a galeria dos desaparecidos antes do seu tempo.

Crítica: Vou Para Casa (2001)

2006-03-04T17:43:00.001Z

Je rentre a la maison
Manoel de Oliveira, Portugal/França, 2001

Com quase um século de vida, é por si só um facto admirável que Manoel de Oliveira mantenha ainda clareza de mente e força de espírito para continuar a realizar filmes, ano após ano.

Esta realidade, no entanto, não implica necessariamente qualidade em todas as suas obras, aliás como acontece com todos os autores mais prolíficos cujos projectos muitas vezes não têm tempo de amadurecer.

Esta acaba por ser a maior falha de Je Rentre a la Maison, realizado em 2001 e mais uma vez produzido por aquele que parece ser o único a fazê-lo em Portugal, Paulo Branco.

O filme, maioritariamente falado em françês, e totalmente rodado em Paris, centra-se na figura de Gilbert Vance, um actor de meia-idade, que após uma actuação recebe notícias chocantes.

A premissa não é complexa, mas o filme perde-se nos seus apartes semi-cómicos, que não nos permitem mais que esboçar um sorriso, e na lentidão com que nos mostra os acontecimentos.

Exemplo disso são os longos excertos de representações teatrais de Exit The King de Eugéne Ionesco e The Tempest de William Shakespeare, assim como um ensaio para uma realização cenimatográfica de Ulysses, escrito por James Joyce.

Muitas cenas desnecessárias e outras prolongadas em demasia afastam o espectador da verdadeira tragédia que constitui a narrativa.

Apesar disto, Michel Piccoli consegue ser simplesmente sublime ao mostrar a força interior da personagem após tais eventos marcantes, e a sua vontade de seguir em frente mesmo sem se entregar a saídas fáceis, numa actuação que lhe valeu uma nomeação pela Academia Europeia de Cinema.

Fazem ainda breves aparições Catherine Deneuve, cuja postura magistral obscurece a nulidade do seu papel, assim como John Malcovitch, igual a si mesmo, longe de conseguir dotar a sua personagem de características próprias; e as portuguesas Leonor Baldaque e Leonor Silveira, sem intervenções dignas de memória.

Não ultrapassando a hora e meia, Je Rentre a la Maison consegue, ao mesmo tempo, parecer longo e demorado nas suas deambulações assim como superficial e pouco eficaz por não aprofundar convenientemente as emoções transmitidas.

No final permaneçe a sensação de que este poderia ter sido um grande filme.

6/10

Terror made in Hollywood.

2006-03-03T19:39:00.000Z

O remake do Texas Chainsaw Massacre fez para aí um bilião de dollars e a New Line Cinema quer continuar a capitalizar com o seu franchise.
Texas Chainsaw Massacre: The Beginning já está em filmagens. O realizador contratado foi Jonathan Liebesman, o mesmo do execrável Darkness Falls.
O elenco, como habitual. é composto por um grupo de actores jovens e bonitos, prontos para serem torturados e mortos, tudo em nome da arte. Sinopse e imagens aqui.
O mesmo realizador já está indicado para filmar o remake do Friday The 13th. Oh!

A Lions Gate também se fartou de facturar com Hostel, a Dimension Films ficou cheia de inveja e já comprou os direitos para Shivers, outro filme de tortura supostamente baseado numa história verídica (quem é que ainda cai nisto?).
Um grupo de amigos sofre um acidente de viação numa zona remota de Minnesota e procura refúgio numa casa isolada, mal eles sabem que nessa casa vive um médico obcecado pelo estudo científico da tortura.

Por último, esta conseguiu-me surpreender, já está em produção o remake do The Wicker Man, com Nicolas Cage a fazer de Edward Woodward, e mais surpreendentemente ainda o Lord Summerisle (personagem mítica de Christopher Lee) passa a Lady Summerisle e será interpretada por Ellen Burstyn. Poster aqui.
Perdoai-os Senhor, eles não sabem o que fazem.

Quando é que tiras umas férias Takashi?

2006-03-02T23:32:00.000Z

O facto de os mariquinhas dos americanos se terem recusado a transmitir Imprint, o episódio que Takashi Miike, filmou para a série Masters Of Horror, não parece ter perturbado o realizador japonês, que já tem vários outros projectos em fase avançada.

Waru é baseado numa manga japonesa. Parece ser um filme de acção bem alucinante. Vejam o trailer aqui.

Outro filme para qual já há imagens é Big Bang Love Juvenile A, uma história de violência e amor homossexual passada na prisão.
Dois clips com legendas em inglês, aqui e aqui.

51 Ways to Protect a Girl, será um filme catástrofe, um casal conhece-se e forma uma relação após a ocorrência de um terramoto de 7.8 em Tóquio,

Fala-se ainda de Shark Fin Soup, um filme em língua inglesa com capital francês, que também será realizado por Takashi Miike.

Entretanto o canal de televisão inglês Bravo, decidiu transmitir o tão polémico Imprint, aqui está um clip do que fez os americanos fugirem a sete pés.

Fonte: twitch

Clássicos: Bob Le Flambeur (1955)

2006-03-02T20:28:00.000Z

Bob Le Flambeur
Jean-Pierre Melville, França, 1955

Bob não consegue parar de jogar.
Bob Montagne é um antigo pequeno criminoso de meia-idade que decide dar um último golpe antes de se retirar.
O primeiro film noir do realizador francês Jean-Pierre Melville, uma homenagem aos gangsters norte-americanos, acabou por ser ele próprio uma das principais influências da nova geração de realizadores franceses surgida nos inícios dos anos sessenta, conhecida como Nouvelle Vague.
Após uma vertiginosa descida ás difíceis ruas de Montmartre, é-nos apresentado a personagem principal e aqueles que com ele convivem.
Um desconhecido Roger Duchesne encarna de forma brilhante Bob, dotando-o de todas as características que constituem a sua personalidade complexa e permitindo-nos compreender a razão do seu ser.
À sua volta vários jovens actores ajudam a criar o habitat natural em que se move este homem da noite. Entre estas personagens encontramos Paolo, um inocente aprendiz de bandido, Anne, uma rapariga fascinada pelo perigoso mundo do crime e ainda o Inspector da Polícia dividido entre o dever e a amizade que o liga a Bob.
Os acontecimentos desenrolam-se numa sequência de diálogos corriqueiros disparados a grande velocidade, e grandemente improvisados. Uma liberdade que agradava aos novos aficionados do grande écran, que fizeram das ruas os seus palcos.
Na parte final o filme desenvolve para a planificação e execução de um assalto a um Casino, característica dos Capers, tipo de filmes bastante popular e que anda de mãos dadas com muitas desventuras criminosas. O argumento cabe a Auguste le Breton, um dos maiores do género.
Carregado de estilo, inerente tanto ás personagens como aos locais e situações, Bob Le Flambeur inaugurou uma sequência de filmes do realizador francês que culminariam no clássico Le Samouraï de 1967.

A bela do dia: Tippi

2006-03-02T15:02:00.000Z

Descoberta por Alfred Hitchcock, quando este a viu num anúncio de televisão, a história de Tippi Hedren enquanto actriz resumia-se a uma participação num filme menor ainda enquanto criança.
A película de 1963, The Birds trouxe-a para a primeira linha da sétima arte, colocando-a no meio de um ataque furioso e aparentemente injustificado desses animais alados a uma pequena povoação piscatória.
Mais tarde, Tippi viria a dar o nome da sua personagem neste filme à sua filha, a também actriz Melanie Griffith.
Depois deste filme, Tippi viria novamente a colaborar com o cineasta inglês em mais um filme, Marnie, deixando assim a sua curta marca na história do cinema.

Apesar de nem sempre celebrada pelas suas representações, a sua beleza clássica e elegânca não poderiam ser ignoradas.
Talvez o último grande filme do mestre do suspense, The Birds demonstra bem, na forma como a filma, a admiração que também o realizador tinha pela ex-modelo.

Crítica: O Fantasma (2000)

2006-03-02T14:37:00.000Z

O Fantasma
João Pedro Rodrigues, Portugal, 2000

Na sua estreia no formato longa-duração, o realizador João Pedro Rodrigues, do mais recente Odete, traz-nos um conto do submundo lisboeta.
Ricardo Meneses é Sérgio, um jovem que trabalha na empresa de recolha de lixo da Câmara, percorrendo durante a noite as ruas da cidade. Numa das suas tarefas, Sérgio desenvolve uma grande atracção física por um homem que arranja uma mota, de tal forma que só descansará quando concretizar os seus desejos carnais.
Após várias experiências sexuais vividas, e estando totalmente absorvido nas suas fantasias, como um espectro Sérgio desaparece na noite.
Em O Fantasma os diálogos são escassos, o que parece ter sido uma escolha acertada, pois se por um lado as intervenções dos participantes são bastante limitadas e inconsequentes, por outro a verdadeira força motora da personagem principal reside nas suas acções e nas expressões corporais do jovem actor que a interpreta.
O reduzido núcleo de actores de apoio não se revela o suficiente para se considerar totalmente necessário e sendo apenas relevantes nas suas interacções com o protagonista.
O estático trabalho de câmera incute no resultado final uma sensação de lentidão que poderá levar o espectador a desinteressar-se pelas viagens emocionais do jovem homem-do-lixo. Tal efeito também pode ser deduzido do ambiente nocturno que domina a acção e dos locais escuros onde esta se desenrola, que assombram a obra com um tom negro carregado.
No entanto, nunca passarão despercebidos os encontros em primeiro grau da personagem do título com outras figuras desconhecidas, assim como as suas extasiantes aventuras consigo mesmo.
Definitivamente não sendo o filme mais fácil de assistir, nem sequer o melhor português dos últimos tempos, O Fantasma é no entanto uma visão muito própria de uma parte da sociedade e uma criação original no panorama cinematográfico nacional.

5/10

Crítica: Barking Dogs Never Bite (2000)

2006-03-01T19:37:00.000Z

Flandersui Gae
Joon-ho Bong, Coreia do Sul, 2000

“Nenhum animal foi magoado durante a realização deste filme.”

Com esta frase começa Flandersui Gae, informação muito útil para o resto do filme.
Nesta comédia negra do realizador do muito aclamado Memories Of Murder, os cães são sequestrados, assassinados, e até comidos por diversos moradores num complexo de apartamentos nos arredores de Seul.

Yun-Ju é um aspirante a professor que sobrevive com pequenos trabalhos e principalmente à custa do salário da sua mulher que se encontra num estado de gravidez muito avançado. Ela aproveita-se da sua condição e do facto ser quem mais contribui para o agregado familiar, abusando da boa vontade do seu já submisso marido.
Ele precisa urgentemente de uma avultada quantia em dinheiro para poder subornar o director de uma escola, de modo a poder concretizar o seu sonho de se tornar professor, este facto aliado aos constantes abusos por parte da sua mulher, fazem com que ele descarregue muitas das suas frustrações nos seus vizinhos caninos. Não muito longe vive Hyeon-nam, uma jovem de bom coração, que trabalha nos serviços administrativos do complexo de edifícios, mas que revela muitas dificuldades em cumprir as suas obrigações laborais, um dia observa Yun-ju a maltratar um cão, e decide persegui-lo.

Um dos pontos fortes deste filme e da sua execução é o sentimento de apatia e monotonia bem característico da vida nos subúrbios, horas e horas em que nada acontece. Yun-ju aterroriza os cães do complexo, Hyeon-nam e a sua amiga empregada numa loja de conveniência, sonham em apanhar um ladrão e ficarem famosas.
Todos os actores conseguem bons desempenhos e há cenas em que a química entre eles é admirável. Destaque para Du-na Bae (Sympathy For Mr. Vengeance) no papel de Hyeon-nam a demonstrar uma grande expressividade e queda para a comédia.

Um dos principais problemas do filme é sua falta de ritmo, ocorrem longos períodos em que a comédia arrefece e estranhamente o enredo também não evolui.
Flandersui Gae é um filme inteligente, consegue separar os maus-tratos caninos, dos constantes, e mais ou menos inspirados, gags que vão acontecendo, contudo o realizador espera que o espectador sinta simpatia por uma personagem que maltrata animais como escape para as suas frustrações. Talvez seja algo cultural, mas eu não consegui sentir nenhuma simpatia em relação a Yun-ju.
Mais um comédia interessante vinda da Coreia do Sul, mas que falha em se destacar do elevado número de ofertas do género.

6/10

Zapping: Battle Royale (2000)

2006-03-01T18:59:00.000Z

Reporter: This year Zentsuji Middle School number 4's Class E was chosen from among 43.000 Ninth grade classes. This year's game, said to be more blistering than the last... Oh look, there! There she is! The winner's a girl! Surviving a fierce battle that raged 2 days, 7 hours and 43 minutes... the winner is a girl! Look, she's smiling! Smiling! The girl definitely just smiled!

Batoru Rowaiaru
Kinji Fukasaku, Japão, 2000

Crítica: Broken Flowers (2005)

2006-03-01T16:09:00.001Z

Broken Flowers
Jim Jarmush, EUA, 2005

Após o episódico Coffee And Cigarettes lançado em 2003, o realizador norte-americano Jim Jarmush regressa a um enredo mais convencional, no entanto sem se afastar das suas marcas características.

Novamente observamos diferentes culturas interligarem-se através dos vários personagens.

Don é um caucasiano de meia-idade confortável na vida mas solitário, cujo melhor amigo é o seu vizinho Wiston, um caribenho muito bem casado, que aparece em sua casa mesmo sem convite.

O pacato dia-a-dia de Don é abalado quando recebe um misterioso envelope rosa. Instigado pelo seu vizinho, Don parte á procura do seu possível remetente, e ao mesmo tempo á procura de si mesmo.

Apesar de não marcarem presença nomes exteriores ao cinema, como já havia anteriormente Tom Waits por exemplo, Broken Flowers conta ainda com a participação de Jeffrey Wrigth, e Sharon Stone, Jessica Lange ou Tilda Swinton como ex-namoradas de Don.

Bill Murray, que depois do seu regresso aos grandes desempenhos com Lost In Translation ou The Life Aquatic With teve Zissou, mais uma vez se associa a outro grande nome do universo indie americano, produz mais uma bela actuação; minimalista, bastante controlado e com uma frieza e indiferança perante o exterior que ao mesmo tempo arrepiam e obrigam-nos a esboçar um sorriso.

Tal como nos seus primeiros filmes, em Broken Flowers Jarmush recorre a fade-to-blacks para dividir as cenas, entre elas uma já recorrente em que a personagem principal apenas está, atónito e totalmente alienado.

O ritmo pausado do filme é deliberado, mas torna algo aborrecido o desenvolvimento da história, e com a utilização de uma luz excessiva que quase torna branca toda a imagem, apenas o rosa contrasta e dá uma força exterior ao filme.

Vencedor do grande prémio do júri em Cannes, Broken Flowers fica algo longe da genialidade da sua estreia, ou da originalidade de outros títulos.

6/10

Outros: Dali & Hitchcock

2006-02-28T17:47:00.000Z

Em 1945 Alfred Hitchcock convidou o pintor espanhol Salvador Dali para ilustrar com a sua arte uma sequência de sonho, que escondia a resolução para o mistério que nos é alimentado ao longo do filme.
Ingrid Bergman interpreta uma psiquiatra residente numa instituição privada que espera o seu novo director, Gregory Peck. No entanto, este parece também ter os seus próprios problemas, que constantemente o atormentam.
Apesar das muitas produções de Hollywood a apoiá-lo, o realizador britânico nunca fez grandes concessões, nem parou de querer experimentar e buscar ideias com outros grandes artistas, Spellbound é bom exemplo disso.
Dali recorreu a elementos simbólicos e surrealistas, característicos da sua obra, para retratar as imagens que povoavam a mente do protagonista.
Figuras ao mesmo tempo perturbadoras e fascinantes inerentes ao funcionamento do subconsciente resultam desta composição. Infelizmente nem toda a produção do pintor foi integrada no filme, ou sobreviveu ao tempo.

Crítica: Caché (2005)

2006-02-28T17:19:00.001Z

Caché
Michael Haneke, França, 2005

O mais recente trabalho do realizador austríaco sedeado em França está a ser muito bem recebido por toda a Europa, como já o havia sido o seu filme anterior, o nem sempre facilmente digerível La Pianiste, que trouxe mais uma vez aclamação à multi-facetada Isabelle Huppert.

Desta vez os protagonistas são outros.

Os também experientes Daniel Auteuil e Juliette Binoche representam um casal de classe média que se vê misteriosamente confrontado com umas cassetes vídeo que acabarão por lhes tirar o descanso e o conforto que o seu estilo de vida lhes permite.

Não deixa de ser curiosa a escolha do actor principal para representar uma personagem cujo pouco à-vontade e nervosismo latente vem ao de cima quando em presença de figuras de outras origens, visto ele próprio ter nascido na Argélia.

Podemos dizer que a presença europeia nesta ex-colónia francesa é a razão de fundo desta alegoria.

É comum a muitos países do Ocidente esta situação histórica de colonização de um país menos desenvolvido cujas novas gerações se estabelecem no antigo estado dominante e daí advêm muito frequentemente confrontos não apenas psicológicos como também físicos.

Os impactos mais profundos de Caché verificam-se ao nível da mente, perturbada por um mistério inconclusivo e pela esparsa explosão violenta que nos choca pela sua economia e imediatez.

Somos confrontados com imagens que por vezes duvidamos se serão a câmara de Haneke ou a do observador desconhecido, ou mesmo nós próprios, vouyers desta realidade quotidiana.

As mais de duas horas desta peça passam sempre com a dedicação da nossa atenção, invulgar numa produção europeia em que a estabilidade da camera e o silêncio constante são imagens de marca.

Caché inquieta pela sua crítica aguda mais do que pelo mistério intenso. Um excelente exercício sobre o medo que a diferença pode suscitar, o filme foi considerado o melhor do ano pela Academia Europeia de Cinema.

8/10

Crítica: Head-On (2004)

2006-02-28T17:14:00.000Z

Gegen die Wand
Faith Akin, Alemanha, 2004

Vencedor do Urso de Ouro no Festival de Cinema de Berlim, Gegen die Wand foca a sua narrativa nas vidas de Cahit e Sibel, dois jovens originários da Turquia a viverem na Alemanha.
O primeiro encontro tem lugar numa instituição médica, e a partir daí as suas vidas unem-se numa espiral de acontecimentos que os irão mudar definitivamente.
Tal como as suas personagens, o realizador Faith Akin é de origem turca e é com total naturalidade que se movimenta nos meios emigrantes da sua nova casa, mostrando o apego dos mais velhos às suas tradições islâmicas e o desejo de ocidentalização dos mais novos.
Correndo as quase duas horas e meia de duração, Gegen die Wand possui um ritmo admiravelmente rápido, em grande parte devido à forma leve como aborda certos temas que parecem já não chocar ninguém, ás boas interpretações do par principal e também ao uso de técnicas de câmara e imagem que mantêm o espectador em constante atenção.
A presença dominante da música em todo o filme também contribui para esta característica. Durante as várias saídas à noite ouvimos clássicos da pop electrónica dos anos ’80 como Depeche Mode ou Sisters of Mercy, mas também de referir os interlúdios preenchidos por segmentos de música tradicional turca interpretados numa das margens da capital turca.
Este é um bom exemplo onde a palavra entretenimento não assusta ninguém. No entanto, a narrativa e o formato convencional, apesar de descontraído e com o pé no acelerador, mostram a falta de uma marca individual que talvez se pode observar nos trabalhos de outros alemães como Tom Tykwer de Lola Rennt.
Isto não invalida que se aprecie uma boa história contada de uma forma inteligente, dando atenção aos pormenores, figuras e situações laterais que ajudam a dar maior profundidade ao filme.

6/10

A bela do dia: Zhang

2006-02-28T16:05:00.000Z

2046 é um filme carregado de beleza, seja pelas suas protagonistas, seja pela forma como o realizador de Hong-Kong, Wong-Kar Wai, as filma.
Entre elas brilha Zhang Ziyi, actriz chinesa que havia participado no já classico Crouching Tigger, Hidden Dragon, e nas "sequelas" Hero e House of the Flying Daggers.
Aqui é Bai Ling uma acompanhante de classe que se cruza com o narrador em 1969, numa das suas viagens ao passado.
Neste drama que mistura passado e futuro, a narrativa não linear nem sempre permite acompanhar o mestre de Chungking Express, mas a beleza das palavras e das imagens, não deixa de siderar o espectador, tal como em outras obras anteriores. Entre elas está In The Mood For Love, cuja personagem principal é a mesma, mas que não foge para paragens distantes no tempo.

Romântico, exótico e clássico, 2046 possui imagens cujas cores saturadas e ângulos coreografados ao pormenor surpreedem e fascinam, permanecendo na memória do espectador.
Zhang Ziyi por sua vez é sensual e quente, numa figura talvez distante da imagem convencional da mulher chinesa. Classe e estilo estão de mãos dadas, cada vez que a vemos entrar em cena.

Zapping: Le Charme Discret de la Bourgeoisie (1972)

2006-02-28T15:46:00.000Z

Colonel: Marijuana isn't a drug. Look at what goes on in Vietnam. From the general down to the private, they all smoke.
Mme. Thevenot: As a result, once a week they bomb their own troops.
Colonel: If they bomb their own troops, they must have their reasons.

Le Charme Discret de la Bourgeoisie
Luis Buñuel, França, 1972

Incest Kitchenette: Go, Go Second Time Virgin (1969)

2006-02-28T01:48:00.000Z

Começa aqui esta nova secção regular, que se vai dedicar a algumas pérolas mais ou menos esquecidas dentro do cinema mais alternativo. De Exploitation, Pinku Films, Grindhouse e outros estilos marginais fala-se aqui.

Yuke Yuke Nidome No Shojo
Koji Wakamatsu, Japão, 1969

Considerado por muitos, como o mais influente realizador underground do Japão, Koji Wakamatsu, realizador com mais 40 anos de carreira, ganhou popularidade pela combinação dos elementos essenciais dos Pinku Films Japoneses (sexo e violência), com uma abordagem mais artística e política a temas sérios e pertinentes na sociedade Japonesa, que encontram paralelos no ocidente.

Em Go, Go Second Time Virgin seguimos o nascer da relação entre uma rapariga vitima de repetidas violações e um jovem introvertido com um passado sombrio. Estas duas personagens marginalizadas formam uma relação enquanto as suas vidas se dirigem a um abismo.

Crítica: Match Point (2005)

2006-02-27T23:14:00.000Z

Match Point
Woody Allen, Inglaterra, 2005

Woody Allen trocou a sua amada New York pela capital inglesa, Londres, e é aí que se desenrola este conto de ambição com consequências trágicas. Chris e Nola são dois jovens ambiciosos oriundos de famílias menos favorecidas que procuram alcançar, cada um por si, um lugar de conforto na alta sociedade britânica.
Os problemas surgem quando entre os dois se desenvolve uma forte atracção, que racionalmente nenhum deseja, mas que tragicamente não conseguem afastar.
O enredo desenvolve-se em ambientes de riqueza e abundância, rodeados de haute culture. As referências ás belas-artes são constantes, notoriamente as poderosas peças de Ópera que se ouvem em momentos chaves do drama.

A presença desta excessiva materialidade, inerente à classe alta londrina, faz ainda mais sentido quando nos apercebemos do fascínio que produz sobre as personagens principais, e como motivação das suas acções, principalmente do jovem instrutor de ténis, interpretado por Jonathan Rhys-Meyers. É sobre ele e a beleza clássica de Scarlett Johansson que as luzes brilham.
Assinaláveis ao demonstrarem que aquele não é um mundo a que pertencem. Paralelamente à tragédia, somos deliciados com ligeiros momentos de comédia, principalmente devido á presença dos actores britânicos da série League Of Gentlemen, mas que nunca se sobrepõem à trama principal.
Apesar das quase duas horas e meia e do ritmo pausado, em grande parte pelo uso do realizador norte-americano de planos estáticos sem cortes dentro das cenas e com movimentos de câmara controlados e limitados, a história cativa até á sua conclusão.

Com tudo o que foi aqui escrito, e após visionado Match Point, não é difícil surgir á memória o realizador francês Claude Chabrol. De facto, parece complicado contornar a influência do cinema de autor europeu nesta nova fase da carreira do realizador norte-americano.
Característicos são a estrutura romance-barra-policial, a técnica simples e directa de filmagem e narração, mas também a perdição que advém da deificação da personagem feminina principal, assim como a ligeira crítica ás classes mais abastadas da sociedade.
Match Point não perde em nada a sua força. Esta referência só lhe exige uma qualidade que Woody Allen não mostra esforço a produzir

8/10

A bela do dia: Natalie

2006-02-25T23:20:00.000Z

A escolha não foi das mais fáceis, mas aqui está a inaugurar esta mui nobre secção do blog a belíssima Natalie Portman em Closer (2004), do realizador americano Mike Nichols.

Natalie é Alice, uma stripper americana que no início do filme vemos ser atropelada por um carro. Este é o primeiro acontecimento a que a leva a envolver-se com Dan (Jude Law), e consequentemente ver-se envolvida no meio das turbulências emocionais próprias das relações. Adaptação de uma peça de teatro, como anteriormente Nichols já havia feito com Who's Afraid of Virginia Woolf? ou Angels in America, Closer é muito rico no que toca à qualidade dos diálogos e das interpretações (representam ainda o excelente Clive Owen e Julia Roberts, finalmente num papel decente), e valeu à jovem nascida em Jerusalém a nomeação para o Oscar de melhor actriz secundária.

Iniciando-se no cinema ainda muito nova, em 1994, com um papel em Léon de Luc Besson, apenas mais recentemente obteu o reconhecimento merecido, primeiro do grande público com a participação na nova trilogia de Star Wars (mais uma vez sublime enquanto Padmé) e finalmente da critica, com este filme do ano passado. Já memorável é a cena entre Natalie e Clive Owen na sala privada do clube de strip-tease, com The Smiths a tocar em fundo.

Zapping: Stranger Than Paradise (1984)

2006-02-25T23:03:00.000Z

Willie: You're sure you don't want a TV dinner?
Eva: Yes. I'm not hungry. Why is it called TV dinner?
Willie: Um... You're supposed to eat it while you watch TV. Television.
Eva: I know what a TV is. Where does that meat come from?
Willie: What do you mean?
Eva: What does that meat come from?
Willie: I guess it comes from a cow.
Eva: From a cow? It doesn't even look like meat.
Willie: Eva, stop bugging me, will you? You know, this is the way we eat in America. I got my meat, I got my potatoes, I got my vegetables, I got my dessert, and I don't even have to wash the dishes.

Stranger Than Paradise
Jim Jarmusch, EUA, 1984

Crítica: Calvaire (2004)

2006-02-25T04:33:00.000Z

Calvaire
Fabrice Du Welz, Bélgica, 2004

O título original deste bizarro filme Belga, é uma referência religiosa ao caminho percorrido por Cristo, forçado a carregar a sua cruz até ao local da sua crucificação.
Marc Stevens é um cantor amador, com aspirações a tornar-se famoso, ele possui um certo magnetismo que atrai as pessoas, e o coloca em situações embaraçosas e surreais.
Num final de tarde enquanto viaja em direcção a um espectáculo de natal, a chuva intensa e o nevoeiro fazem com que ele se perca, a sua velha camioneta avaria-se (parece-vos familiar?) e Marc vê-se forçado a passar a noite numa velha pensão rural. No dia seguinte Bartel, o dono da pensão, começa a criar uma empatia muito especial com o seu novo hóspede.

No seguimento de filmes como The Texas Chainsaw Massacre e The Hills Have Eyes, Calvaire explora a viagem infernal de uma personagem citadina, que se encontra fora do seu ambiente, num mundo rural e primitivo, onde tudo o que aprendeu na sua vida na cidade deixa de se aplicar.
Os campónios europeus em nada ficam a dever aos americanos, todos os habitantes da vila têm um ar sinistro, e não parecem reger-se pelos mesmos padrões do mundo exterior.

Laurent Lucas e Jackie Berroyer conseguem bons desempenhos como Marc e Bartel, e o resto do elenco acompanha bem, apesar das suas personagens serem demasiado homogéneas.
O director de fotografia Benoît Debie (Irréversible), oferece-nos belas imagens do bosque coberto de nevoeiro, o que contribui em grande parte para o tom sinistro de todo o filme.

Ao longo de Calvaire identificam-se homenagens a filmes como The Texas Chainsaw Massacre e Night Of The Living Dead (hilariante cena de dança no bar da aldeia). Apesar de não poder aspirar à grandeza destes clássicos, Calvaire é uma aposta certa, para quem gosta de filmes que têm a capacidade de inquietar e perturbar.

7.5/10